為一部劇，赴一座城，這屆年輕人都在尋找自己的“愛樂之城”

在《聲入人心》之前，中國音樂劇幾乎無人問津。

2017年，鄭云龍和劉令飛合作《變身怪醫》，一共幾十場，演完公司就倒閉了。那些年，音樂劇票被當成不起眼的贈品隨意發放，愿意看的人卻很少。臺下比臺上人多，是最常見的景象。然而，2018年《聲入人心》一飛沖天，讓音樂劇走入大眾視野。僅僅一年后，鄭云龍主演的《謀殺歌謠》上海站門票，在一分鐘內全部售罄。

音樂劇，爆了。但是，“爆了”可以等于“好了”嗎？

隨著本土原創作品井噴式發展，討論與批評也相伴而至。一面是搶不到票的火爆，一面是“退我票錢”的避雷貼。中國音樂劇，還有多遠的路要走？

2018年末，湖南衛視一檔名為《聲入人心》的美聲競演綜藝悄然走紅。節目創新性地將音樂劇、歌劇與流行舞臺結合，集結了鄭云龍、阿云嘎等三十多位兼具顏值與實力的年輕演唱成員。

憑借精良的制作，成員間動人的情誼與無數“出圈”的經典舞臺，《聲入人心》成為年度文化現象。

▌阿云嘎參與表演的音樂劇《在遠方》選段

此后，選手們從劇場迅速成為備受矚目的明星。他們主演的劇目票房急速攀升，過去小眾的音樂劇驟然變得一票難求。無數因節目而入坑的年輕觀眾，開始主動走進劇場，了解并愛上了這門舞臺藝術，形成了一個規模可觀且活躍的新觀眾群體。《聲入人心》成功地完成了一次高效的“破圈”，如同打開窗戶，令音樂劇的風吹入國人心中。

那么，究竟什么是音樂劇？

▌音樂劇《悲慘世界》40周年紀念版上海首演

與歌劇重唱腔、話劇重臺詞不同，音樂劇的風格更為自由多元。西方的音樂劇產業發展得非常成熟，在百老匯和倫敦西區，一部音樂劇從誕生到登臺面眾，背后有整條精密的產業鏈支撐。

而在本土戲劇昌盛的中國，這種舶來品不免概念模糊。聞名世界的音樂劇《劇院魅影》，至今仍被不少國人誤認為是歌劇。

改革開放后，音樂劇才重新發展起來。但是當時的人們依舊分不清它和歌劇、歌舞劇的區別，故而出現了諸如“輕歌劇”“歌舞劇”等不同名稱。

九十年代末，商業團體被引入音樂劇，帶來嶄新面貌，最現象級的莫過于1997年巨星張學友主演的音樂劇《雪狼湖》。強大的明星效應、通俗悅耳的音樂和完整的制作，為這部劇帶來了空前的商業成功，也讓一批年輕觀眾，首次意識到音樂劇的魅力。北京和上海的藝術院校開始紛紛設立音樂劇系，為我國培養真正意義上的第一代音樂劇人。

2002年，上海引進了《悲慘世界》，24場演出門票幾近售罄，引發了區域性的觀劇熱潮。中國音樂劇自此進入了新階段，開始系統性地引進國外經典音樂劇。如《媽媽咪呀》《貓》等等。隨著西方的“巨型音樂劇”沖擊市場，本土劇目也大力追求“硬件”上的提高：陣容要強，舞美要恢弘，服化道要精美。

這種“偏科”式發展，導致戲劇內核的嚴重缺席。哪怕視聽效果拉滿，但松散的敘事和內容，導致最終效果更接近大型晚會。

▌音樂劇《貓》

轉折點出現在2005年，本土原創音樂劇《金沙》橫空出世，該劇取材于恢弘的古蜀文明，講述了一個穿越三千年的愛情故事。來自現代的考古學家在金沙遺址發現一枚神秘的金箔，由此穿越回古蜀國，與太陽神鳥的化身“金”相遇相愛。然而“金”為拯救族群和愛情，最終選擇化為永恒的金沙。故事尾聲，現代博物館中， “沙”與酷似“金”的講解員再次相遇。

▌在陜西西安進行首演的合家歡音樂劇《唐妞駕到》

該劇將太陽神鳥等圖騰元素融入舞美，匯聚了姚貝娜、譚維維、沙寶亮等一批優秀歌手，貢獻出不少封神級的名曲。

以今天的眼光來看，《金沙》的劇情存在些許硬傷，但它的音樂優勢太突出了，無論是哪一個卡司，高音都干凈、明亮、華麗，堪稱一部可載入中國音樂劇發展史的作品。

《金沙》之后，以搖滾音樂劇《紅與黑》等為代表的新血液，用貼近當下的音樂語言，和年輕一代拉近了距離，持續培育著市場的觀劇習慣與審美。

▌中國原創音樂劇《電影之歌》

市場慢慢熱起來，為中國音樂劇的全面爆發積蓄了能量。直到2018年《聲入人心》節目播出，市場被徹底引燃。幾乎是一夜之間，音樂劇就沖進了大眾的視野。

在中國音樂劇中，三寶和關山是當之無愧的中堅力量。《金沙》之后，這對搭檔又創作了《蝶》，《虎門銷煙》、《趙氏孤兒》、《聶小倩與寧采臣》等作品。

其中《聶小倩與寧采臣》這個國民級的聊齋故事，顛覆中國傳統的恩義故事，進行了大膽革新。

前半段是我們都熟悉的劇情：進京趕考的書生，遇見含恨夭亡的女鬼。書生不受財色所惑，女鬼感佩之下以遺骨相托。

隨后，編劇筆鋒一轉，安排了寧采臣對小倩的表白。兩人之間從恩義之愛，蛻變為男女之愛，小倩放棄了轉世，寧愿入十八層地獄，也要與寧采臣做一夜夫妻。

如果音樂劇在這里結束，縱使詞曲精道，也是老套故事的重演。畢竟一個女人愛上一個男人，愿意為他而死，這種“小美人魚”式的陳詞濫調，總是帶著令人膩煩的不合時宜。

但是編劇選擇另辟蹊徑，引入另一個維度的探討——為對方做出的選擇，本質上可以與其無關，而只是個人意志的選擇。

在音樂劇結尾，小倩前往地獄，寧采臣唱著《夜奔》，在黑暗中尋找小倩，但焦急中卻漸漸透出猶疑。最終，寧采臣沒能克服對死亡的恐懼，當他用來自刎的劍鐺然落地，小倩飄然離去。

她沒有回頭看寧采臣，只以一首《貪念》回答他：“可你不會有/你自詡的那么勇敢；我也不見得/我以為的如此坦然”，所以這一場情事“不過是一剎那的貪念”。

情人相約殉情黃泉，又因毀諾分離的情節，許多國家都有。希臘神話里，俄耳甫斯因違背承諾，導致妻子被攝回冥界。日本傳說中，伊邪那美痛恨丈夫的毀約，昔日的眷侶帶著怨怒，隔著陰陽恩斷義絕。

但《聶寧》卻脫離了這樣血肉模糊的糾纏，沒有憎恨的不潔。小倩的唱腔固然哀婉悱惻，可并不為自憐。“醒時同交歡，醉后各分散”，她是有情可往，連恩怨也可贈人。

至此音樂劇，表達的是一個頗具力量的女性內核：因為是自己的抉擇，自己的行動，所以從屬于她本身，“就像磷光來自磷”。它也超越了狹隘的情愛，摻入了中國文化的哲學內核。中國講人事，不愛悲劇，如果不能合家團圓“包餃子”，那最好是“白茫茫一片真干凈”。

好的藝術作品除了要帶來情感上的觸動，還要具備精神上的縱深，畫虎畫皮難畫骨，真正的中國本土音樂劇，需要這樣形而上的本土性。而如何將帶有強烈中國古典色彩的作品，進行新時代的全新演繹，也是當前國產音樂劇面臨的關鍵挑戰，香港話劇團出品的《大狀王》，無疑是做得最好的作品之一。

《大狀王》方唐鏡的故事在大灣區文化中傳承已久，在民間傳說中，他身為四大狀王之一，機變精怪，卻以欺壓百姓而聞名，人稱“扭計師爺”。在上個世紀的粵語影視作品中，方唐鏡曾多次作為奸角出現，如周星馳的《九品芝麻官》里，吳啟華飾演的方唐鏡——他精通律法卻道德敗壞，在公堂上顛倒黑白、助紂為虐，最終落得“被公堂眾人圍毆”的荒誕下場，成為港片經典反派符號。

音樂劇《大狀王》的故事發生在清末，講述廣東“狀師”方唐鏡多次在公堂之上顛倒是非，助紂為虐，和他“一人雙身”的厲鬼阿細從旁慫恿引誘，意圖讓方唐鏡繼續行惡直至萬劫不復，借以索其性命。方唐鏡得知真相后大驚，為求活命，更名宋世杰，成為了伸張正義的“狀王”。而方唐鏡與阿細的往日恩怨也在這一過程中真相大白。

《大狀王》引入了“一人雙身”的核心設定，整個音樂劇結構嚴謹扎實，雜以人性、因果恩仇等元素調和，酣暢淋漓。

▌不止《大狀王》，香港話劇團藝術總監毛俊輝指導的《傾城之戀》，同樣用現代的眼光重新回味了白流蘇與范柳原那段“不在乎一生相隨，只在乎一瞬相知”的愛情

音樂的“和而不同”，是《大狀王》最外顯也最成功的探索。 主角方唐鏡出場時，用帶有百老匯色彩的爵士樂，刻畫此位“荒唐鏡”的玩世不恭。在人物陷入內心掙扎時，則使用雋永的粵劇唱腔。此外，劇中甚至還融入了佛經的吟誦，作為疏離、審慎的“佛眼”，俯瞰著這一場因果輪回。

《大狀王》重要的主題之一是“審判”，著名音樂劇《芝加哥》中的庭審充滿諷刺，大眾不是被輿論愚弄，就是無用地沉默。但《大狀王》中，哪怕方唐鏡再如何巧舌如簧，群眾始終保持著清醒的旁觀，譴責他的行為。

至此，《大狀王》超脫了民間傳說的家庭、男女、家國議題，討論的是形而上的天理善惡、因果命運。整部劇也凝結了中式哲學思辨：公道自在人心，天道輪回，善惡有報。人生在一念之間，榮辱也如露水閃電般無常。

▌音樂劇《芝加哥》

盡管如《大狀王》這般用心的作品正在涌現，但本土音樂劇的整體生態，仍處于一個青澀的摸索期。相較于早已破圈、擁有廣泛受眾的話劇，音樂劇的光芒仍被掩蓋，整體氛圍偏于小眾。它的成長，亟需更多的時間與更為成熟的創作環境。

正是在這樣的背景下，一個核心的觀眾群體——“劇女”們的作用便愈發凸顯。她們是市場最熱情的支持者，但她們的眼光也正變得日益敏銳。

根據《2023年劇場類演出市場消費觀察》報告，音樂劇的受眾趨向年輕化，25歲以下觀眾占比最高，達到40%，大學生是劇場類演出的主要參與人群。從觀眾結構上看，女性觀眾占比最高，達79%，是典型的“她經濟”。

女性觀眾成為社群版圖的主體。她們不僅是消費者，是觀眾，更是野生劇評家，更深度參與并塑造著整個圈子的話語體系與文化氛圍。

▌為慶祝婦女節，女性音樂劇《Suffs》在聯合國大會廳表演

在社交平臺上，她們細致地撰寫觀劇“Repo”（報告），自發為演員制作演出排期表，并熱心組織線下觀演活動。如果有人對某部音樂劇有疑問，“劇女”們的回答，甚至比官方更及時，更準確。

這種高自驅，高自覺的參與，形成了一個特殊的社群網絡。社群內部運行著一套高度信任的自治文化。陌生人之間因“同好”身份，便能放心地轉賬購票，或因臨時去不了而慷慨贈票。她們還會互相贈送精心制作的周邊“物料”，形成了良性循環。

面對外部市場，她們同樣有著堅定的內部共識。最典型的是對“不漲價”原則的默契遵守。即便在劇場外一票難求，眼見黃牛將票稍加數百元兜售，許多劇女依然能堅守原則，拒絕購買，以此維護圈內的公平準則——做“復雜的理想主義者”，在商業化的浪潮中守護熱愛。

▌韓國《kinky boots》劇組在打歌節目M Countdown上帶來《Land of Lola》舞臺，除此之外，劇組還推出應援棒、周邊和粉絲簽名會等新式應援法

在社群之外，跨城追劇，這個溢價頗高的選擇，也正在成為劇女們新的“文化遷徙”。以北京、上海、廣州三座城市為例，它們各自的音樂劇已然呈現出鮮明的特色：北京的劇場多以“有趣的原創劇”為亮點，上海則更側重于“先鋒的引進劇”，而廣州憑借其獨特的嶺南文化底蘊，往往成為中西合璧劇目的試驗場。

▌上圖：廣州大劇院上演的馬修·伯恩版《羅密歐與朱麗葉》舞劇

下圖：在北京天橋藝術中心上演的舞劇《主角》

這種差異促使劇女群體頻繁跨城觀劇。一個典型的場景是：上海的劇迷為了觀看一場北京天橋藝術中心的音樂劇，可能提前三個月就訂好了機票和酒店。并特意選擇周五晚上的航班，下班后直奔機場，周日晚再乘最晚的航班返回，整個過程緊湊得像一場"特種兵式觀劇"。

與此同時，她們在北京的同好，可能正為了《羅密歐與朱麗葉》準備前往上海。在劇女的微信群里，這樣的對話司空見慣：“上海有拼房的嗎？”、“北京站有人一起蹲SD（舞臺出口）嗎？”

▌紐約百老匯的廣告牌

每個演出城市都是遷徙路上的濕地，由候鳥般的觀眾，將它們一個個串聯起來。在劇迷心中，城市被賦予了某種功能性的意義：它首先是“某部劇的演出地”，然后才是其他。

比如在北京天橋藝術中心附近，演出前總能看到成群結隊的劇迷，她們背著印有音樂劇logo的帆布袋，手里拿著自制的應援物料，用“劇圈黑話”熱烈交流著。而在上海文化廣場，劇迷們甚至會特意選擇不同的座位，只為了體驗"能看到演員表情"和"欣賞舞臺調度"這樣的細節體驗。

▌倫敦西區音樂劇《男聲小酒館》的周邊

傳統的地理邊界正在消解，城市并未在這種流動性中隱退，反而通過音樂劇獲得了新的呈現方式，被重新定義。值得注意的是，這種流動性也在悄然改變著傳統的文旅模式。越來越多的城市體會到，一部大爆音樂劇，除了帶來的票房，還有持續升溫的文旅經濟。

以上海、北京為代表，音樂劇核心城市正在形成強大的虹吸效應，比如《SIX》等熱門音樂劇，在巡演期間帶動周邊衍生品消費，總計超130萬元，劇場周邊的酒店預訂量也大幅上漲。而北京的鼓樓西劇場、蜂巢劇場等小劇場周邊，也涌現出大量"戲劇主題"的餐飲住宿服務。

許多劇迷會特意提前一天抵達，在觀劇之余體驗城市風光。她們的旅行路線往往以劇場為圓心展開，演出前到附近的咖啡館聚會，演出后一起吃夜宵，討論看劇的感想。

這種以音樂劇為核心的新型旅行，重塑著我們感知的方式。一群人，為了同一個精神追求而來，陌生的城市空間，因為附著了特別的記憶開始獨特。

或許有人會說：折騰一大圈，值得嗎？

誠然，音樂劇提供的，只是短暫的舞臺幻夢。劇一結束，眾人便難免“醒時各分散”。如果說，俄羅斯戲劇巨擘，康斯坦丁·斯坦尼斯拉夫斯基曾告誡演員，要“愛心中的藝術，不要愛藝術中的自己”。那么作為觀眾，倒是不妨先愛藝術中的自己。因為無用之用本身，已然是一種生命力的慷慨。凡有熱愛不滅，那么于己身，于生活，則均可保有盎然興致。

編輯/Lili、Tasia

文/許鵬宇

圖/視覺中國

設計/April