“舞”“劇”合流須真正觸達臺下的每一顆心靈

不過短短十余年，中國舞劇就從一門無人問津、“曲高和寡”的小眾藝術，走入了更多觀眾的日常生活，成為演出市場上極為亮眼的、一票難求的文化景觀。從題材和內容上看，近年來的舞劇新作愈發呈現出多樣化的特征，有的將古典文化和地方民俗融入現代表達，有的則從宏大敘事中擷取動人片段。整體來講，各個作品的舞臺設計和舞美效果都日漸豐富，編舞上也常常信手拈來、兼容并包，共同服務于內容的傳遞。

與話劇、戲曲等其他戲劇門類相比，舞劇由于基礎表意方式不同，其發展路徑也相對特殊。在缺乏自然語言的情況下進行意義的傳達，是舞蹈藝術由單純的抒情性、儀式性表演成長為“劇”必須要解決的難題。如何用身體的動態、節奏與空間，去交代復雜的人物關系，或是曲折的情節轉折呢？一代又一代舞蹈編導們在實踐中持續摸索，交出了風格各異的精彩答卷；而中國創作者們在這十年之間的多種嘗試，基于與不同題材、內容與美學追求的深度適配，也呈現出“舞”與“劇”的差異化路徑。

舞劇之“舞”：以身體之美寫意傳情

溯回到舞蹈戲劇的起源，初期的編排思路可以大致歸為“揚長避短”，即選取情節簡單的故事，以此消解內容上的理解門檻、充分發揮身體語言的感染力。

例如，最早誕生“劇目”的舞種古典芭蕾，基本沒有在故事層面進行太多創新，多數取用童話、民間傳說等既成故事中的人物情節作為藍本，對其起承轉合進行改編和簡化。經典的《天鵝湖》《舞姬》《海盜》等古典芭蕾作品，整體劇情較為簡潔明了，基本圍繞少數幾個主角進行，情節單元也相對單一。在結構劇目時，編導們往往在情節邏輯之外加入許多額外的插敘片段，讓主要演員們一而再、再而三地亮相返場，進行長段的芭蕾技巧展示。作品中最亮眼的、最值得反復鑒賞的部分并不是對故事的講述過程，而是演員們精湛的肢體控制。如果說這樣編排邏輯下的舞劇是一串流光溢彩的珠寶項鏈，那么各個舞段即是一顆一顆鑲嵌其上的寶石，情節則是串聯寶石的線，在文化色彩層面起到相對簡單的背景作用。

或許因為當代中國古典舞的身體范式、訓練模式都深受古典芭蕾影響，類似輕故事而重舞蹈的戲劇邏輯，在中國舞劇中也多有應用。十年前便獲得市場成功、如今還在年年巡演的《孔子》，即是一個極為典型的案例。它用傳記的方式，選取了孔子這位中國人耳熟能詳的思想家作為絕對主角，利用古典舞的身韻去講述其大致的人生經歷和思想主張。其編排特點在于，舞段的獨立性、完整性較強，敘事性則相對較弱，情節單元和情節發展較少，段與段之間依據人物的意識活動進行簡單鏈接。全劇內容可以分為“實”與“虛”兩個部分，現實是奸佞當道、難民在苛政下苦苦求生，幻境則是孔子理想中政清人和的大同社會。無論哪個部分的敘事，大多都采用場景化的鋪陳展現，不進行前因后果的詳細闡釋。

舞劇對“孔子”這一人物的塑造，主要依靠《啟程》《進諫》《嗟來之食》《幽蘭操》等片段來完成。編導在編舞中加入大量的跳轉翻、劍舞等古典舞基本范式，以此展現孔子心懷天下的人格特質，將哲學性、文學性的內容用古典舞的程式化方式轉譯出來。其他的知名片段如“妃”的《熏香》《問政》《玉人》，男群舞《傳道》，女群舞《采薇》《棠棣》等，無不貫徹著精心編排的復雜舞蹈符號。“妃”與“公”在《問政》中雙人舞的托舉與抗拒，即是人物關系權力博弈和情感糾葛的展現；而其后的《玉人》，又通過水袖、鼓以及背景音樂中清脆的玉石之聲，共同烘托出孔子對于“君子之德”的設想與憧憬。

歷經12年再回望，《孔子》毫無疑問是開啟中國舞劇市場化的第一座里程碑。整部舞劇的動作設計貫注著古典韻味，用高度程式化的象征性舞蹈語匯，描繪出一個立體的、充滿假定性的舞臺時空，將日常生活經驗升華為超越現實的審美意象。對于許多觀眾而言，這部作品讓他們深深領略中國古典舞之美，了解到舞蹈原來可以并不只是晚會中的背景陪襯，還可以在傳情達意中展現獨特的藝術魅力。

時至今日，許多作品還在沿用類似的情節編排模式，即以人物為核心、以舞蹈本體為核心，借意象化的場面組接與情感脈絡推動作品演進。在相對簡單刻板的故事情節中，編導們往往利用幻境式、回憶式的舞段，通過反復閃回的風格轉變去增加舞臺的豐富性。這一模式的核心優勢，在于使舞段得以保留身體表達的純粹性、抒情的完整性與形式層面的獨立審美價值。舞蹈無需淪為情節的解釋工具，而是以肢體營造意境、塑造人格，真正踐行了 “舞蹈之為舞蹈” 的藝術自覺。

但它的潛在創作風險同樣不可忽視。若過度拘泥于此模式，易滋生對戲劇整體結構與劇本深度的輕慢。長此以往，一些作品容易陷入“有佳句而無佳章”的困境：局部舞段或許頗具亮點，整體卻缺乏扎實的情感積淀、合理的人物動機與令人信服的戲劇張力，最終呈現為“舞”強“劇”弱的狀態，難以在觀眾心中留下持久共鳴與深層觸動。因此，如何在傳承這一美學傳統的同時，深化戲劇內核、精進敘事智慧，讓“舞”與“劇”真正達成水乳交融的共生關系，仍是當代舞劇創作需持續探索的關鍵命題。

舞劇之“劇”：以戲劇之力重構敘事

除了以“舞”為先的創作之外，2010年代的中國舞劇亦可見一種反向的“戲劇”探索。一些編導不再讓戲劇結構遷就舞蹈段落，而是以“劇”作為生發的核心，讓舞蹈服務于一個更具張力、更貼近當代觀眾接受心理的完整故事。

在此轉向下，編導們嘗試將影視化的流暢敘事和戲劇表演中的肢體語言融合到舞劇編排之中。其核心目的是構建情節更密集、人物關系更復雜的敘事結構，讓舞劇的“劇”得以真正立起來，完成更為復雜的社會歷史內容講述，與更細膩的人性描摹。

在這條以“劇”為主的探索路徑上，首演于2018年的《永不消逝的電波》作出了優秀的嘗試。它問世的七年間，完成了“開創市場先河、引領時代審美”的巨大成就。其革命性首先體現在其敘事方式的徹底轉向，編導大膽摒棄了以舞蹈為絕對核心的敘事傳統，轉而全面借鑒影視藝術的蒙太奇、分鏡與剪輯思維,在舞臺設計和調度方面作出了極大突破。

劇目開場，沒有傳統的舞段亮相，取而代之的是角色定格的追光與身份字幕。其功能近似于一部諜戰題材電視劇的片頭人物介紹，瞬間將觀眾拉入一個清晰可辨的敘事時空。劇中頻繁運用的時空并置、記憶閃回、場景快速切換，均通過燈光分割、擋板移動等舞臺調度實現。除了報社、旗袍店、李俠家等主要故事場景外，舞臺上還展現了角色們的行動路徑，于移步換景時悄然完成情節和場景的切換，在各個情節單元之間添加上了豐富詳盡的前因后果作為過渡。

這種敘事方式的轉變，使得舞劇的起承轉合不再完全依賴肢體動作的隱喻。許多處直觀的戲劇表演承擔了最重要的表意模塊，如李俠與蘭芬的雙人互動中程式化舞蹈動作整體較少，其情感脈絡的塑造貫穿在許多個真實的生活細節之中。兩人攜手同行、日久生情，于鋪被子、遞手包、包扎傷口等日常動作中達成情感的深度連接。再如“追捕”段落中，被捕的共產黨員們帶著手鐐腳鐐艱難前行，他們并未完成一整段大開大合的舞蹈，而是僅憑傷痕之下堅毅的神態，就能將對于革命的堅定信仰傳達到位。觀眾無需費力解讀舞蹈動作背后的象征意義，便能像觀看一部電影般，輕松跟隨主角們參與驚心動魄的諜戰生涯。

由于無需唱念做打，無需在超出生活的藝術語言中重塑人物形象，舞臺上的真實性甚至在一些時候超過了假定性，這也是《永不消逝的電波》感人至深的一大原因。其中的“人”，穿著打扮、面部妝容，看起來似乎都與生活中無異，更好代入也更好共情。從這個層面上說，作品的核心魅力從“舞蹈之美”轉向了“戲劇之美”與“氛圍之美”。首先吸引觀眾的是緊湊的劇情、鮮明的人物和緊張懸疑的舞臺氛圍，舞蹈則作為增強感染力的重要手段之一融入其中，點綴在情感高潮的各處角落。這使得那些對舞蹈藝術感到陌生甚至畏懼的觀眾，能夠毫無障礙地進入作品，完整感知到其中的動人之處，首先作為一個“戲劇觀眾”獲得滿足。

《永不消逝的電波》所踐行的這條“消解舞蹈符號、強化戲劇真實”的路徑，最終在受眾端收獲了巨大的成功。它使得欣賞舞劇不再是一項需要專業預備知識的活動，而是成為一種大眾化的文化消費體驗。與此同時，由于戲劇部分、舞臺部分的增加，舞蹈的身體強度和技巧性相對下降，劇目的巡演對演員體能的消耗得以緩解，實現了“輸出端簡化”。這兩者結合，為作品的長線運營和市場擴張提供了堅實基礎，其上演數百場乃至近千場的市場奇跡，正是這一策略成功的明證。近年來已經達成“破圈”的幾部市場大熱作品，幾乎都具有類似的思路特征。

當然，輕舞蹈編排的缺點在于，舞蹈在劇中幾乎喪失了作為獨立表意語匯的作用，而成為了戲劇中的一個點綴，成為了和音樂、舞美并置的一個編排要素。舞段相對缺少象征，從起承轉合的過程變成了既定狀態的反復，導致舞蹈本身的獨特魅力在全劇中難以充分體現。業界與觀眾所提出的“含舞量”質疑，也是很多走這一路線的作品應該繼續深入思考改進之處。

合流與新生：身體與情感的共鳴

與文學、音樂、美術等藝術門類相比，舞蹈的最核心優勢即在于以身體為媒介的情感傳遞。無論是“舞”路徑中高度凝練的象征程式，還是“劇”路徑中的復雜敘事與生活質感，最終皆需回歸一個永恒的命題：如何讓那些跨越時空的悲歡、宏大與微小的命運抉擇，真正觸達臺下的每一雙眼睛和每一顆心靈。

縱觀近年發展，中國舞劇的創作視野正逐步拓寬，觀眾與業界也愈加敏銳地審視著“舞”與“劇”的平衡。去年榮獲荷花獎的《破冰》《雷雨》等作品，即在敘事復雜性與舞蹈本體表現力之間找到了全新的融合方式。中國舞劇的持續生命力，或許正蘊藏于這種自覺的融合意識之中——既不因循于單純炫技的“舞”之窠臼，也不止步于模仿影視的“劇”之表象，而是在深刻理解身體敘事獨特魅力的基礎上，不斷探索“舞”與“劇”更深層次的化學交融。唯有如此，舞劇才能不僅成為視覺的盛宴，更成為承載當代情感、凝聚集體共鳴的動人藝術。