盧浮宮把米開朗基羅和羅丹放在一起看

米開朗基羅——以人體展現神性與靈魂的解放，追求理想化的完美；羅丹——以人體展現人性與生命的真實，追求情緒與存在的本質。

《澎湃新聞｜藝術評論》獲悉，2026年4月15日至7月2日，盧浮宮在其拿破侖大廳（Hall Napoleon）舉辦“米開朗基羅 / 羅丹：生命之軀”展覽對外開放。盡管相隔三個世紀，兩位西方藝術大師與身體相關的作品卻以一種獨特的方式交匯，揭示彼此的傳承與分別。

左：米開朗基羅的《垂死的奴隸》（局部），約1513-1516年，大理石；右：羅丹的《青銅時代》（局部），1877年，青銅

米開朗基羅和羅丹在藝術界留下了濃墨重彩的一筆，并影響了后世的藝術家。他們從古典典范和自然中汲取靈感，力求展現和捕捉人體的生命力和活力，以及隱藏在肌肉或面部特征之下的內在力量……他們究竟留下了怎樣的遺產？

展覽分為五個部分，“傳奇雙峰”、“自然與古典：重塑范式”、“未竟之境”、“軀體與靈魂” 以及 “能量與生命”。匯集了大理石、青銅、石膏、陶土、鑄件以及草圖作品，這將有助于更好地了解兩位偉大藝術家各自的創作過程。

在西方雕塑史上，米開朗基羅（Michel Ange，1475-1564）與奧古斯特·羅丹（Auguste Rodin，1840-1917）猶如兩座并立的豐碑。他們都將人體視為創作的核心，致力于捕捉其中涌動的灼灼生命能量。作為文藝復興的巔峰巨匠，米開朗基羅深信雕塑能將靈魂從石塊的禁錮中解放。在盧浮宮珍藏的《垂死的奴隸》與《反叛的奴隸》中，扭曲的肌肉詮釋了軀體與精神的永恒博弈。

三個世紀后的現代雕塑奠基人羅丹，在深受米開朗基羅震撼后，毅然打破了學院派的古典范式。他不再追求理想化的平滑，而是以粗糲的表面與充滿張力的殘缺肢體，賦予了雕塑最為真實的呼吸感。

時間并未阻斷天才之間的共鳴，兩位大師在這場前所未有的藝術交匯中，既呈現著傳統的脈絡，也揭示出斷裂的革新。

圓形展臺內的五件重要作品

展廳現場，五件作品并置。來源：法國盧浮宮社交媒體

本次展覽圍繞一個核心論點展開：盡管米開朗基羅與羅丹相隔數個世紀，卻肩負著共同的藝術使命 —— 以雕塑捕捉人體所承載的精神力量，而非僅僅再現其外在形體。兩位藝術家亦有著諸多共通之處：均從古代經典雕塑中汲取靈感，在作品中保留鮮明的創作痕跡與未完成之美，并以開創性的藝術語言，深刻影響了此后數代雕塑家的創作方向。

在盧浮宮官方社交媒體上，記錄展示了雕塑的搬運過程，由于體量和重量巨大，需謹慎安排，并動用不少機械設備。進入拿破侖大廳的圓形展臺上，參觀者首先會看到五件引人注目的雕塑作品——包括米開朗基羅的《垂死的奴隸》（1513-1515年）和羅丹的《青銅時代》 （1876年創作），這兩件作品以對立平衡的姿態彼此呼應。

之后進入另一個展廳，那里陳列著其他藝術家向這兩位雕塑家致敬或受其影響的作品。隨后，近200件作品，包括素描、石膏像以及大理石、青銅和陶土雕塑，將兩位大師的創新精神展現出來。

館內搬運過程，上一次對雕塑進行修復是在三四年前。

米開朗基羅《垂死的奴隸》

這件作品是米開朗基羅為教皇尤利烏斯二世宏偉的陵墓計劃而創作的系列雕像之一。原計劃中的陵墓極為龐大，包含超過40尊雕像。然而，由于工程多次被中斷和修改，這兩尊“奴隸”雕像最終未能被安置在陵墓上。后來，藝術家將它們贈送給了羅伯特·斯特羅齊，后者又將其獻給了法國國王，最終成為了盧浮宮的藏品。

這件作品最引人入勝之處，在于它所呈現的并非垂死的痛苦，而是一種復雜而微妙的矛盾狀態。

與陵墓計劃中另一尊激烈掙扎的《反抗的奴隸》不同，《垂死的奴隸》呈現出一種平和、近乎沉睡的狀態。他雙目緊閉，面容安詳，左手枕在腦后，身體放松舒展。藝術史學家評論道，他“并不像垂死，好像在微睡”。

《垂死的奴隸》背面

這種表現方式引發多重解讀：它既可以被理解為肉體屈服于死亡的瞬間，也可以被看作靈魂得到解脫、進入天國的寧靜時刻。也有學者從新柏拉圖主義的角度解讀，認為這象征著靈魂掙扎著擺脫塵世的束縛。

米開朗基羅《被縛的奴隸》

與《垂死的奴隸》中沉睡般安詳的奴隸不同，《被縛的奴隸》呈現出一種激烈掙扎的姿態。雕像中的青年身體如公牛般健壯，呈螺旋形強烈扭曲，雙臂被反綁在身后，卻正奮力扭動身軀，試圖掙脫繩索。他的頭高高昂起，嘴唇緊抿，眼睛圓睜，眼神中流露出反抗的憤怒和堅強不屈的意志。整座雕像充滿了巨大的內在張力——緊繃的肌肉中蘊含著強大的反抗力量?！侗豢`的奴隸》是米開朗基羅將個人情感與社會批判融入藝術創作的典型例證。它所表現的并非一個被動的囚徒，而是一個在束縛中依然奮力抗爭的靈魂。作品借由健美的軀體和充滿張力的姿態，探討了關于自由、反抗與人的尊嚴的永恒命題，至今仍震撼著每一位觀者。

羅丹雕塑《亞當》（Adam）

展廳里的《亞當》

亞當身體重心不穩，右腿踏于石塊之上，左腿支撐全身，身軀向右側扭轉，頭部深深低垂，目光向下，仿佛在凝視自身的存在，背負著原罪的沉重與生命的迷惘。

羅丹以極具張力的手法刻畫肌肉線條：胸肌、腹肌、手臂與腿部筋絡分明、起伏強烈，既保持人體解剖的精準，又通過夸張的形體強化內在情緒的沖擊力。

1880 年，羅丹受法國美術管理部門委托創作《地獄之門》，隨即開始構思其中的《亞當》與《夏娃》。1881 年，他以《人類的創造》為名，將《亞當》作為獨立作品展出，后正式納入《地獄之門》的整體敘事。羅丹以綽號 “鐵顎人” 的健壯模特卡尤（Caillou）為原型，同時借鑒米開朗基羅的雕塑語言，延續文藝復興對人體力量的探索，卻徹底打破學院派的理想化完美范式。

這件作品是羅丹繼《青銅時代》之后，確立個人藝術風格的關鍵之作，進一步鞏固了他在現代雕塑史上的重要地位。

羅丹《青銅時代》（L'Age d'airain）

《青銅時代》作品中的男子裸體站立，身體微微后仰，呈現出剛從沉睡中蘇醒的姿態。1875 年，羅丹以比利時士兵奧古斯特?內伊（Auguste Neyt）為模特，耗時 18 個月完成泥塑初稿。1877 年，作品在巴黎沙龍展出，因其逼真的寫實風格，被學院派評委質疑是 “直接從人體翻模而成”，引發巨大藝術爭議。

作品以 “青銅時代” 為名，象征人類從原始蒙昧邁向文明的歷史階段，雕塑中的男子正是人類自我意識覺醒的具象化身 —— 他不再是神或英雄的符號，而是一個擁有獨立思想、真實生命的 “人”。

羅丹一反學院派古典雕塑追求的完美比例、光滑質感與理想化英雄姿態，以真實的人體結構、自然的動態與內在情緒，重新定義雕塑的核心：雕塑不在于美化人體，而在于捕捉生命的真實?！肚嚆~時代》是羅丹的成名作與里程碑式作品，標志著其藝術風格的成熟，也為現代雕塑開辟了新的方向。

羅丹《讓?德艾爾 裸體像》（局部）（Jean d'Aire nu）

羅丹為大型群雕《加萊義民》（Les Bourgeois de Calais）創作的獨立習作，是 1884-1886 年間的核心研究稿之一。

讓?德艾爾是 14 世紀加萊城的六位義民之一，在英法百年戰爭中，為拯救全城百姓，自愿赴死的英雄。羅丹以極具張力的面部塑造，精準捕捉了人物在生死抉擇間的復雜情緒：眉頭緊鎖、眼窩深陷、嘴唇緊抿，頸部青筋暴起，將恐懼、堅毅、悲憤與決絕融為一體，讓冰冷的石膏擁有了震撼人心的生命力。

如果說米開朗基羅以 “神性人體” 展現人的力量，羅丹則以 “凡人軀體” 書寫普通人的英雄史詩，二者共同完成了西方雕塑對 “人體作為精神載體” 的探索。

羅丹在這件作品中對肌肉、骨骼的極致刻畫，直接繼承了米開朗基羅的解剖學傳統，同時以更具現代性的情緒表達，完成了對文藝復興大師的致敬與超越。

向大師致敬的藝術家

此次展覽特別引入了一些與這兩位大師相關的藝術家作品，他們或是引路人或是借鑒者，從側面展現了對雕塑藝術的持續影響力。

《觀景樓軀干》 (Torso del Belvedere) 佚名（古希臘 / 希臘化時期藝術家）

《觀景樓軀干》這件作品創作于公元前 1 世紀左右，是古希臘羅馬雕塑史上的巔峰之作，沒有確切的作者姓名?，F藏梵蒂岡博物館（Vatican Museums），是其最著名的藏品之一。

米開朗基羅極度推崇這件作品，它是他研究人體解剖、動態張力（如《奴隸》系列、《大衛》）的核心范本，直接塑造了文藝復興雕塑的審美標準。

羅丹同樣將《觀景樓軀干》視為畢生學習的 “圣經”。他在青銅版《亞當》、《青銅時代》等作品中，都直接借鑒了其扭曲的動態和充滿生命力的肌肉肌理。

羅丹的工作室里就收藏了無數這樣的古典石膏復制品，這件《觀景樓軀干》的翻模，佐證了展覽試圖構建 “古希臘→米開朗基羅→羅丹” 的完整藝術傳承鏈條。

費利切?阿德里亞尼（Felice Adriani）根據米開朗基羅原作翻制的石膏復制品《摩西》（Mo?se）

費利切?阿德里亞尼的這個作品母題，來自米開朗基羅為教皇尤利烏斯二世陵墓創作的雕塑《摩西》，原作約完成于 1513—1516 年，現藏于羅馬圣彼得鐐銬教堂。

作為文藝復興雕塑的巔峰之作，原作以極致的解剖學精度與強烈的戲劇性表現力聞名：頭上的角、緊繃的肌肉、充滿張力的扭轉軀干，共同塑造出兼具神性威嚴與人性激情的先知摩西形象。

費利切?阿德里亞尼的這件石膏復制品，忠實還原了原作的形體結構、肌肉張力與精神氣場，是近代經典石膏復制史上的重要范例。

在 19 世紀，為了讓歐洲各地的藝術家和公眾能欣賞到文藝復興的杰作，大規模翻制石膏模型成為風潮。阿德里亞尼是這一領域的名家，他精準地復刻了米開朗基羅《摩西》的神韻，制作了大量的石膏復制品。這類復制品當時廣泛流傳于歐洲的美術學院、博物館和私人工作室，是羅丹等當時藝術家學習古典范本的重要途徑。

喬萬?巴蒂斯塔?羅莫洛，根據米開朗基羅原作臨摹

臨摹者喬萬?巴蒂斯塔?羅莫洛（Giovan Battista Romolo，16 世紀）是文藝復興晚期的意大利畫家、米開朗基羅的追隨者，以精準臨摹米開朗基羅的作品而聞名。

畫面描繪的是希臘神話中麗達與天鵝的經典場景：斯巴達王后麗達（Leda）以慵懶、舒展的姿態斜臥，宙斯化身的天鵝依偎在她懷中，與她親密相擁。作品以極致細膩的線條、柔和的明暗過渡，塑造了人體的柔美曲線與肌膚的通透質感，完美還原了米開朗基羅原作的造型張力與解剖精度。

《麗達與天鵝》是米開朗基羅的經典傳世作品，創作于1530 年左右，是他晚年人體藝術的巔峰之作。米開朗基羅的油畫原作已失傳，現存于世的均為后世臨摹版本，其中最知名的就是這幅歸屬于喬萬?巴蒂斯塔?羅莫洛的臨摹稿。

雕塑背后的故事

盧浮宮官方的社交賬號上也記錄了羅丹作品的搬運過程。其中，《思想者》《巴爾扎克紀念碑》等代表作，由法國羅丹博物館出借，曾在上海羅丹藝術中心舉辦的《羅丹：現代雕塑的啟承》展覽中展出。

《巴爾扎克紀念碑》石膏作品由體量較大，整尊約 2.75 米高的石膏像，分為頭部、軀干、底座（或下半身）三大塊制作。采用榫卯與石膏粘接固定，安裝過程需要非常小心。

安裝羅丹《巴爾扎克紀念碑》

《巴爾扎克紀念碑》創作歷時7年，是羅丹創作周期最長、爭議最大的作品。

1891 年，法國作家協會委托羅丹為文豪巴爾扎克創作紀念碑雕塑，羅丹為此深入研究巴爾扎克的生平、形象，創作了數十稿習作，最終完成了這件極具顛覆性的作品。

《巴爾扎克紀念碑》資料圖

羅丹徹底拋棄了傳統紀念碑雕塑 “理想化、英雄化” 的范式，沒有刻畫巴爾扎克的面部細節，而是以一件寬松的睡袍包裹全身，塑造了一個精神化、符號化的巨人形象。雕塑的頭部微微后仰，仿佛在仰望星空、構思作品，將巴爾扎克的文學靈魂與創作激情，以極具張力的形式表現。1898 年作品首次展出時，因造型 “怪異、非寫實”，遭到了法國作家協會與公眾的猛烈抨擊，被拒絕安裝。羅丹為此將作品運回自己的工作室，直到他去世后，這件作品的藝術價值才被徹底認可，成為 20 世紀現代雕塑的里程碑式作品。

羅丹《思想者》

《思想者》也曾在上海展出。這件羅丹的代表性作品突破了 19 世紀學院派的僵化，為現代主義雕塑奠定基礎。其對人體解剖與動態的極致追求，也延續了從古希臘、米開朗基羅到羅丹的西方雕塑傳承鏈條。

羅丹的經典大理石雕塑《沉思》（La Pensée / Thought，也譯《思想》）

這種 “非完整” 的造型，源自文藝復興以來的 “未完成（Non-finito）”美學，直接繼承自米開朗基羅的創作理念，卻被羅丹賦予了全新的現代性表達。

在精神內核上，羅丹實現了 “思想” 的具象化：頭部代表覺醒的思想與精神力量，粗糙的巖石則象征沉重的肉體與世俗的束縛。人物從巖石中浮現，卻又被巖石包裹，精準呈現出 “思想掙脫肉體桎梏” 的哲學命題，讓抽象的 “沉思” 成為可被觸摸、可被感知的視覺實體。

羅丹《上帝之手》（The Hand of God）圖片來源：羅丹博物館

《上帝之手》是羅丹50多歲時創作的具代表性的哲學性雕塑之一。雕塑以一只巨大、充滿力量的手為主體，從粗糙的原石基座中 “生長” 而出：巨手的掌心托著一塊未完全雕琢的原石，石中孕育著亞當與夏娃，他們的身體仍與石塊融為一體，象征著生命從混沌中誕生、從石頭中被喚醒的創世瞬間。

巨手的肌肉、筋絡被精準刻畫，指節分明、力量感十足，既展現出神性的威嚴，又充滿真實的生命張力。

羅丹《米開朗基羅式姿態：舞者阿爾達?莫雷諾》（約 1910-1913）圖片來源：羅丹博物館

1876年左右，羅丹前往意大利研習米開朗基羅的作品后，深受其影響，他曾直言：“我從學院派的束縛中解放，正是通過米開朗基羅。”

從上面的這張草稿可以看出，羅丹以近乎 “速寫式” 的流暢鉛筆線條，捕捉舞者阿爾達?莫雷諾的動態瞬間。線條輕盈、奔放，幾乎不做多余修飾。模特阿爾達?莫雷諾（Alda Moreno）是巴黎喜歌劇院的舞者，1910 年經雕塑家德布瓦介紹成為羅丹的模特。莫雷諾驚人的身體柔韌性徹底震撼了羅丹，他為她創作了近 50 幅素描與多件雕塑，將舞蹈的動態與人體的極致表現力融入晚年創作。該系列是羅丹對 “人體動態” 的終極探索。

米開朗基羅 / 羅丹：生命之軀

展期：4 月 15 日 - 7 月 20 日

地點：法國 盧浮宮（拿破侖廳）

本文參考資料來源：法國盧浮宮 羅丹博物館 《阿波羅藝術》