演唱會已經這么“卷”了？

新音樂產業觀察原創文章，未經授權謝絕轉載

作者 | 凌弋弋

一條巨蛇，讓蔡依林在新年伊始就碰到了點麻煩，有人贊嘆這是“華語天花板級制作”，也有人稱自己感到“頭皮發麻、生理不適”。

巨蛇只是蔡依林Pleasure世界巡演舞臺的道具之一，除了巨蛇，舞臺上還將出現巨牛、飛馬、長頸馴鹿和貪婪金豬等多種怪獸和一些讓網友們浮想聯翩的神秘符號。

網絡視頻截圖

也難怪會讓一些網友覺得“生理不適”，這么奇怪的巨物在演唱會現場湊到一起，在華語樂壇演唱會歷史上可能還是第一次，而面對陌生事物，人類的本能總是先感到恐懼。

但我們從中看到的是，流行巨星們的巡演正在追求極致的視聽體驗，巡演市場也因此進入了一個“卷體驗”的時代。

巡演的Next Level

2025年12月30日的蔡依林“Pleasure世界巡回演唱會”現場，蔡依林站在一條巨蛇的頭部唱著歌曲《美杜莎》穿越舞臺，那一刻，全場觀眾都驚呆了。

網絡視頻截圖

據報道，此次巡演延展了專輯《Pleasure》的“七宗罪”主題，以荷蘭畫家耶羅尼米斯·波希的名畫《人間樂園》為靈感，將現場演出分為伊甸樂園、人間欲望和地獄懲罰三大篇章。

演唱會精心打造了六大奇幻場景：覺醒之巔、欲望異域、感官樂土、真相之書、繽紛夢境和愉悅樂園，并圍繞這些場景設計了二十頭巨獸，包括慶典公牛、欲望巨蟒、彩翼飛馬、長頸馴鹿、貪婪金豬等。

驚喜和驚嚇一線之隔，喜歡的網友感嘆“審美太超前了”，“蔡依林真的是Next Level”，不喜歡的網友則稱“在現場會害怕”和“看著真詭異”。

蔡依林上一次的“Ugly Beauty世界巡回演唱會”的舞臺看著就挺詭異，她站在一個巨型人頭雕像上出場，成為彼時華語樂壇演唱會的標志性場面。

實際上，巨型裝置構成了近年來巨星演唱會上的一大奇觀。

The Weeknd演唱會現場矗立著一個約7.3米高的機器人巨像，Beyoncé巡演現場使用了大型工業機械手臂，Drake演唱會現場曾安放過一個會釋放紙飛機的巨型Virgil Abloh雕像，Lady Gaga的紅色塔型裙裝有三層樓高，韓國男團Stray Kids的“Giant巡演”現場有一個巨型充氣人偶。

巨型舞美裝置是一種可視化的高投入，制造出的震撼畫面不僅能迅速建立“頂級巡演”的直觀認知，也在社交傳播中強化巨星形象。加之，考慮到巨星演唱會場地通常較大，巨型裝置能夠讓不同區域的觀眾獲得相對一致的視覺和情緒體驗，從而提升觀眾的消費滿足感。

除了巨型裝置，近年來巡演現場的另一個“奇觀”來自于對空間的充分利用，歌手們不再滿足于在地上表演，紛紛吊起了威亞。

巨型裝置也好，吊威亞也罷，都是演唱會現場體驗升級的一部分。不僅如此，近年來演唱會愈發重視舞臺敘事，通過對舞臺奇觀的系統化運用，巨星們正將演唱會塑造成一部擁有完整故事情節的“現場電影”，并由此推動巡演市場的整體體驗升級至Next Level。

演唱會電影化

在去年的科切拉音樂節現場，Lady Gaga完成了一場讓全球媒體和樂迷津津樂道的演出。長達兩個小時的演出不僅集結了大量舞臺奇觀與戲劇化道具，更以“完整作品”的結構一氣呵成，令人嘆為觀止。

這其中已經不僅僅只是“演唱”邏輯，還帶有一種“劇本”邏輯，舞臺上的Lady Gaga既是歌手，也是主角，通過精心設計的橋段，引領現場觀眾在故事的起承轉合中穿行。對此，Lady Gaga強調：“我不希望觀眾只是看我，我希望他們進入我的世界。”

蔡依林《Pleasure》巡演的設定同樣具有強烈的“劇情感”。作為“愉悅之母”，她在舞臺上不只是演唱歌曲，而是借助角色扮演和場景切換，與舞臺中的奇幻巨獸和感官符號共同推進敘事，引導觀眾穿越欲望、感官、真相與愉悅的不同階段，仿佛親歷一場被精心編排的現場寓言。

這無非是要打造一種極致的沉浸式體驗，讓觀眾來現場不只是聽歌，而是短暫地進入一個被精心設計的夢幻世界。正如Taylor Swift在回顧“時代巡演”時所說，她最大的成就感，并不只來自演出本身，而是讓觀眾在那幾個小時里真正逃離了現實。

人們通常所說的“演唱會”，主要是一份被精心編排的場景化歌單，歌手通過演唱加少量的肢體表演來為觀眾提供視聽享受。但巨星們的頂級巡演，不但有“場景”，還多了一點電影化的敘事結構。用麥當娜的話說，演唱會不是唱歌，而是講故事。

它們往往從序章開始，在演出中段制造沖突、轉折與張力，在后半段推向高潮，最終以某種主題性的方式收尾，建立完整的世界觀與情緒基調。

只不過，看電影時觀眾是純粹的“旁觀者”，而在演出現場，觀眾不僅本身就是場景的一部分，還可以通過大合唱、互動環節或統一調控的燈海等方式進入“劇情”，也因此，Travis Scott曾說“演唱會就是一部你身處其中的電影”。

這已經不是“哪首歌接哪首歌”的問題，而是需要演出團隊認真思考“這一幕發生了什么、下一幕如何推進”。

為此，巨星演唱會越來越重視細節設計。比如“時代巡演”最為人津津樂道的轉場，Taylor Swift在唱完上一首歌之后，以跳水的姿勢跳入舞臺的一個入口，在視頻的幫助下制造出一個游到舞臺另一頭的幻象，然后，她爬上梯子，消失在云端。隨后，幾位舞者推著云彩走向舞臺中心，Taylor Swift在那里緩緩升起，而演出也隨之進入下一章節。

在這個過程中，歌手不再只是演唱者，而是被塑造成一個貫穿不同階段的角色，一個承載主題與敘事的核心人物，也就是電影里的主角。

一些歌手甚至把巡演做成了“敘事”不斷演變發展的“巡演宇宙”，就像是超級英雄電影系列。

典型的例子就是張杰的“未·Live”巡演，從最初的“未·Live”到“未·LIVE - 曜·北斗”再到“未·LIVE - 開往1982”，包括“未·你好嗎”跨年演唱會，張杰的“未·Live”巡演變成了一個在同一核心命題之下不斷更換視角與時空坐標的“未·Live宇宙”。

巡演進入“卷體驗”的時代

蔡依林的“PLEASURE巡演”，已經不是傳統意義上的“演唱會”，而是融合了演唱會、沉浸式劇場、時裝大秀等的復合型現場體驗，其反映了近年來頂級演唱會的一個新常態，卷體驗。

LED屏越來越大，音響越來越奢華，舞臺搭建越來越復雜，高新技術使用越來越頻繁，結果是，巡演的投資成本越來越高，一次頂級巡演的總投資已經趕上了一部大制作電影。

蔡依林Pleasure巡演的制作成本據稱達到2億元人民幣，數字看起來驚人，但其實，制作成本數以億計的巡演，在國內市場并不少見。張杰、華晨宇和周深的巡演，單是音響成本就破億，把演唱會做成“主題公園”的華晨宇，曾說自己同一個地方三場演唱會門票都賣完也無法回本。

歐美巨星的演出成本更是驚人，Taylor Swift的“時代巡演”業內估計制作成本超過1億美元（約7億人民幣），Beyoncé的“Cowboy Carter巡演”，單場運營成本多達1100萬美元（約7810萬人民幣），Adele為10場德國慕尼黑演唱會搭建的臨時舞臺耗資1.3億美元（約9億人民幣）。

巨星之所以敢于投入巨資“卷體驗”，一個重要原因在于粉絲愿意為情緒價值與現場體驗進行溢價消費。通過延長巡演周期，利用更多場次分攤高昂成本，同時最大化票務、周邊和衍生內容的收益，頂級藝人的重金投入帶來了高額回報。

2023年至今，Taylor Swift、Coldplay和The Weeknd的巡演票房收入先后跨過10億美元門檻，其中，Taylor Swift的“時代巡演”總票房突破20億美元（約140?億元人民幣），將巡演的收入級別提升到了前所未有的新高度。

國內的巡演票房缺乏權威數據支持，不過，格萊美官網的一篇文章稱，截止到2025年3月，鄧紫棋的“I AM GLORIA巡演”票房已經超過4.24億美元，約30億人民幣。而張學友的“60+巡演”總場次多達驚人的324場，有業內人士分析認為票房總收入有望超過50億。另據中國演出行業協會早前發布的數據，2025年全國5000人以上大型營業性演出票房收入為324.48億元，歷史上首次突破300億，比2023年增長了82.3%。

頂級藝人的重金投入不僅提升了演出市場的規模和觀演體驗，也推動了整個行業在技術、制作和商業模式上全面升級。

以巨型LED屏為例，2025年，國內演唱會舞美中LED顯示屏的應用令人眼花繚亂。周杰倫巡演通過巨型球形屏與透明屏構建全方位視覺場域，張杰鳥巢演唱會使用超大面積透明屏和地磚屏打造橫跨全場的視覺效果，張韶涵巡演依托高刷新率、高色彩還原度巨幕實現光影與情感同步，汪蘇瀧演唱會通過黑燈透明屏、異形定制屏與360°環形巨幕構建科幻沉浸空間。

對此，有業內人士分析認為，隨著體驗的不斷升級，頂級巡演在“感官密度”上，已經超過電影等影像藝術，巡演正在成為一種融合了音樂、戲劇、舞蹈、視覺藝術和社群互動的“更高級別的內容形態”，娛樂市場從“影像中心文化”轉向“現場中心文化”。

“卷體驗”也帶動了觀眾的熱情，當電影行業為年輕人不再進電影憂心忡忡的時候，一些調查卻顯示，越來越多的年輕人把音樂現場視為娛樂首選項。

演出巨頭Live Nation去年曾發布過一個在全球15個國家做的調查報告《為現場而生》（Living for Live），報告顯示，39%的受訪者表示，如果一生只能選擇一種娛樂形式，他們會選擇音樂現場，比例超過電影和體育。

音樂現場是否真的超越電影和體育，或許還需要更多驗證，但巡演市場升級到Next Level已經板上釘釘。可以預見的是，未來幾年，頂級巨星們為了搶占市場制高點將會打造出更加震撼的現場體驗，而觀眾們也將在演出現場見證更多的奇觀。

-全文完-