跳起來，重新找回自己的“主體性”

今年是NOWNESS天才計劃舉辦的第7年，舞蹈影像創作實驗室也迎來了第三批學員——2023年至今，我們延續與青年演員、舞蹈家尹昉和吳孟珂的合作，邀請到導演饒曉志擔任聯合導師，開展舞蹈影像創作實驗室（Move a Movie Lab）的提案征集，最終收到近百份作品。

我們為什么跳舞？今年的提案大都呈現出更清晰的敘事取向，導師尹昉注意到，不少創作者都在探討“自我與世界的關系”——從職場到情感，從個體經驗到社會背景，舞蹈成為人們理解與表達自我的通道。

尹昉認為，如今舞蹈影像的突破不在于展示非凡的身體技能，而在于如何真正找到身體表達的獨特視角——“今年的提案中，不乏有創作者希望嘗試素人出演（非專業舞者訓練），從日常動作和行為中提取身體語言、打破觀眾和舞者的無形壁壘；一向以非凡極限身體著稱的陶身體劇團，也開始使用素人的身體素材創作《動作世界》，給舞蹈創作帶來全新視角。”

最終入選的兩份提案，分別是導演曹一諾的《失眠飛行模式》和導演郭容非的《梳頭》。前者構建了一個被異化的失語世界，主角選擇打破規則約束、重塑自我秩序；后者將視線聚焦在一場舞蹈比賽的后臺，女兒在混亂和打結的過程中，追問和抵抗“母親”這個缺席卻又無處不在的概念。

導師尹昉告訴我們，在評選過程中，他會結合創作者的過往作品、注重想法的獨特性和可落地性。作為舞蹈影像而言，尤其是在敘事類型中，如何定義和使用身體語言一直是他關注的重點，“不同舞蹈種類帶有不同的地域、文化、社會背景，如何更好地提取舞蹈的屬性結合敘事、完成情感表達和視聽呈現，創作者的視角很重要”。

而導師饒曉志則更注重當下這份方案的邏輯性——相比套上層層概念的表達，他更欣賞那些從真實出發、用身體探索出的敘事。“創作者為什么要跳舞”、希望通過舞蹈來展現怎樣的社會情緒，或是反映自身處境和某種文化議題，是一件更重要的事。

為什么會選擇這兩部作品？導師和導演在面試過程中有哪些碰撞交流？對于即將開始的舞蹈實驗，大家又有哪些設想和期待？接下來的時間，我們交給創作者。

《失眠飛行模式》構建了一個被異化的世界，樓宇整齊排列，井然有序。所有人每天都在一樣的房間，看著情景喜劇，吃著藥片維持生命體征。這個世界觀里有自己的階級，有人被設定為情景喜劇創作者，有人被訓練成觀眾，有人像馬戲團動物一樣負責表演。

最開始寫這個劇本是在2023年秋天。那會我22歲，第一部短片《自由永》很幸運地被觀眾看到，自己的創作成為了真正的影像——在此之前，大家都覺得我是個開開心心的小孩，但當人們突然把我當成導演，那種感覺是很微妙的。

在我的世界里，拍電影應該和跳舞一樣自由自在、不被拘束，但那段時間，總有人問我什么時候拍下一個片子、最近在搞什么創作，拍電影是有規則的、是要考慮受眾的。我有點被束縛手腳，不敢落筆了。

當時我有一種世界在失控、人生不由己的感覺。某個失眠的夜晚，我打開電腦寫完《失眠飛行模式》的第一版，很符合我的風格，暗黑暴力。天亮了，這個夜晚的故事被遺忘，靜靜躺在我電腦里兩年——后來的日子里，我學會適應規則寫故事，學會觀察大家喜歡什么，學會不拍暗黑暴力、拍熱血真情，認識很多堅持創作的朋友，但也始終覺得北京的天是灰色的。

直到我搬到了成都、搬家后整理電腦、看到《失眠飛行模式》，回想起那段經歷，可能是每個創作者都會經歷的成長痛——于是我寫了第二版，希望能用更自由、更沒規則的方式去創作，也希望創作者能和這些角色一樣，打破規則約束，重塑自我秩序。

《自由永》，曹一諾

在《失眠飛行模式》中，主角馬維是情景喜劇小丑木偶戲的創作者，厭惡著無意義的創作。馬維筆下的演員就像小丑和提線木偶，但另一面，自己也是個被提線的木偶，這種掌控與被掌控的關系貫穿全片，我會用“小丑”與“木偶”的身份不停轉換來推進故事。

在聲音上，全片的音樂會是一種節奏型搭配音效，比如我會用不同調的“哈哈”、被扭曲異化的笑聲，呈現主角身體失控的時刻；聲音設計會與舞蹈排練同步進行，我希望這次創作會結合每一次排練舞者舞動的狀態，用聲音設計為他們搭建一個超現實的空間。

我是第一次拍攝舞蹈短片，也是第一次進行舞蹈相關的創作，我一直很愛玩《舞力全開》（Just Dance），常玩得不知天地為何物，有一種所有細胞都在律動的感覺，自由，這是我對舞蹈的第一印象。

肢體和舞蹈是一種很包容的語言：跳舞的人用他的身體在表達、在敘事，尤其在令人失語的現實環境里，肢體語言便更加動人。所以我認為敘事是最重要的——這部短片里沒有一句臺詞，角色的身體就是他們的嘴，肢體動作就是他們的語言表達，我很期待用身體講故事是一種怎樣的體驗。

舞蹈影像《梳頭》講述的是一個女孩在才藝比賽后臺，孤獨地模仿別的母親給女兒梳頭的動作——漸漸地，女孩的動作陷入掙扎與混亂，幻覺中，“母親”的身影以粗暴的姿態出現，女孩只能用身體反抗，最后用梳子刺向那段既渴望又無法承受的情感。

對我來說，“母愛”既是溫柔的期待，也可能是一種缺席的傷害。我對母性的想象往往來自別人的描述或是童年的觀察，再加上一次次在自己心里反復建構出來的幻想。影片圍繞“梳頭”這一看似日常卻很私密的動作展開，每一次的拉扯、打結和掙扎，都像是在追問和抵抗“母親”這個缺席卻又無處不在的概念。

在這段母女的幻象對決中，我想呈現的也不是單純的個人記憶，而是一種更普遍的體驗：母親的存在與缺席都可能在女兒心中留下深刻烙印，都可能制造出壓抑、對抗，甚至鏡像般的糾纏。最終，在混亂和打結中，如何為童年受傷的自己找到一條繼續前行的路？這是我想探討的。

上：《今夜不設防》，郭容非

下：《紅姐》，郭容非

在《梳頭》中，我會參考法國印象派畫家埃德加關于“梳頭”的畫作，把其中的姿態轉化為舞蹈影像的身體語言，這些日常動作會成為舞蹈編排的支點；整體上，我會以現代舞為主，現代舞的自由度和張力不僅能更精準展現女孩的情緒起伏，也與主題呼應——它本身就是對秩序與控制的反抗。

而在這個基礎上，我會吸收一些國標舞的元素，這個要感謝導師們在面試時給出的建議！因為國標舞的訓練嚴格、競爭激烈，背后也映照著母親對孩子的高要求，甚至連發型都不允許出錯，這和“梳頭”背后的隱喻有著天然的關聯，同時，國標舞中一些具有力量感的表達也可以融入編排。

在高潮段落，我希望結合弗拉明戈的腳步和擊掌，為場景增加節奏感和張力。我喜歡弗拉明戈里那種痛苦的宣泄和命運輪回的質感，它能成為母女對抗時的能量出口。

我一直很喜歡舞蹈，現代舞、街舞、swing、國標、voguing等都接觸過，也都是半吊子。但我挺喜歡這種接觸舞蹈的方式，同樣的身體部位在不同舞種中被一次次重新塑形，好像我的身體也擁有了多重性格。

遺憾的是我不太有機會成為專業舞者，但成為導演后，我反而覺得可以用影像留住這些舞蹈，讓它們以另一種形式和我一起存在——其實拍攝本身也像是一場舞蹈。攝影機的移動、節奏、呼吸，與舞者的身體互動時，就像是另一種“雙人舞”。所以在創作里，我希望不僅是記錄舞蹈，而是讓影像和舞蹈真正共舞。

《額溫槍女孩》，郭容非

《梳頭》選角需求

少年舞者:

A:8-14歲女孩，擅長國標舞/現代舞

B:8-14歲女孩，國標舞/現代舞 舞感好，同時會演奏琵琶

成年舞者

視覺年齡25-35歲之間，女性舞者，國標舞/現代舞 專業舞者。

有無影視表演經驗均可報名

需要全程參加舞蹈排練及影片拍攝。

請將個人介紹、舞蹈視頻片段發送至columbustudio@foxmail.com

或添加微信報名:lelecwj

今年投遞的舞蹈實驗室方案，從年齡結構上講，創作者都很年輕；從主題上來看，我能從不少方案中看到創作者在現實社會中遇到的工作壓力、人和人之間的關系甚至是權力關系，看到他們面對的處境和困惑，也看到某種反抗——再通過舞蹈或者舞蹈影像，不管是完成一種反抗、還是跟自我或對立關系的和解，我覺得都是挺有力量和批判精神的。

在舞蹈影像中，“為什么要跳”這件事對我來講很重要—— 一言不合就開跳，會讓我無法理解它的邏輯性，也會讓片子看上去非常晦澀。作為今年舞蹈實驗室的導師，比起過往作品，我更關注當下的方案是否體現了這一點。

NOWNESS天才計劃舞蹈影像單元展映過一部短片，讓我印象很深刻，叫《斐波那契數列》（Fibonacci），它沒有那么復雜、把肢體表達做得浮夸，我反而從中找到了一些感受和啟發。

有時候看到創作者報過來的一些提案，我會覺得像是在套概念、用肢體去解構，而不是有一個原發的初衷——但跳舞的核心不就是自由表達嗎？我想舞動我就舞動，這種舞動的根源并不在于表達一個特別高深的概念，而應該是反過來的，我先去表達，再從表達中慢慢找到探索和延伸。

在我的概念里，舞蹈作為一種表達時，可以是很自由、不受規則限制的；但是當它成為一個作品時，我認為應該有一定的邏輯性。這個邏輯性不是指電影敘事的形態，而是說創作者希望通過跳舞來展現怎樣的社會情緒，或是反映自身處境和某種文化議題。在舞蹈影像中，使用身體語言或肢體表達的合理性、邏輯性，我還是希望有一定綜合，不要顯得那么突兀，這是我在選擇方案時會側重考量的地方。

舞蹈創作實驗室過往作品《環島》，魏德安

從這一點出發，我覺得《失眠飛行模式》和《梳頭》兩個方案，不論是敘事的邏輯性、跳舞的邏輯性還是肢體表達的邏輯性，我都能看得到她們的自洽，這也是我們最終選擇的很大原因。除此之外，她們的故事也更聚集當下、聚焦某個具體家庭中的人物關系，同時也反映出創作者對于這個時代的看法和情緒，這些是讓我覺得有趣的地方。

在面試的時候，我一直很關心《失眠飛行模式》究竟會跳什么樣的舞蹈，我會覺得它更像一種肢體劇表演，而不一定是某個舞種。后來導演說想嘗試默劇，我就覺得很有意思，我認為肢體和節奏的重復可以帶來一種荒誕的幽默性以及力量感。《梳頭》講述的故事本身是相對常見的，但結合舞蹈會讓我覺得很感興趣。它本身反映了一種沖突，不管是從父母還是上位者的角度，還是關于馴化和不接受馴化，都很合適用舞蹈、用肢體來表達。在這兩個方案中，我都可以很清楚地看到她們未來呈現的樣子。

我們在看舞臺時，看到的往往是全貌、一種大畫幅的集體呈現，當然導演也會通過舞臺調度讓觀眾聚焦在某些動作上。但當它成為舞蹈影像之后，不論是從視覺的角度、特寫、鏡頭，還是肢體調度的結合，我覺得肯定能實現的是另外一種風味，而這另外一種風味是完全區分于舞臺呈現的東西，這也是舞蹈影像、肢體影像能受到這么多人喜歡的一個重要原因。我覺得它是一個閥門，打開閥門之后，大家必須進入到這種假定性的影像世界里來，這是很有意思的。

舞蹈創作實驗室過往作品《未來舞廳》，二高

我覺得在當下，每個青年創作者面對的東西都不太一樣。我們做劇團時，也會有更偏作者向和更偏市場向的創作，大家經常會討論“如何在市場跟作者取向之間做平衡”，從我自己的角度來說，我現在越來越覺得這是一個偽命題。

當我們試圖在兩者之間取得平衡的時候，往往可能會造成一個結果，就是兩邊都平衡不了。所謂的平衡其實是一種修飾的、粉飾過后的創作態度——這個時代的觀眾看到“平衡過”的東西，是能敏銳感知到你的意圖和創作態度的。我倒是覺得從青年創作者的角度來說，無論是面向市場還是自我表達，只要選好了，就可以往更極致的方向去做，因為其實市場也好，受眾也好，都會越來越細分的。

從我的角度出發，我覺得青年創作者未來要面對的挑戰可能是，不停地有人會說你要做平衡、說你要兼顧，我覺得最好的方式是應該找準你的定位、找準你的合伙人，朝著最極致的方向去努力，如何在這條路上走得更堅決篤定一些，那才是他在成長過程中可能會面對的誘惑或者挑戰。

2022年起，NOWNESS天才計劃邀請青年演員、舞蹈家尹昉與舞蹈家吳孟珂擔任聯合策展人，與世界知名舞蹈影像節 CINEDANS FEST（荷蘭舞蹈影像節）合作，創立了舞蹈影像單元——“身影 Move a Movie”，持續向觀眾展示著肢體動作、舞蹈藝術作為主體介入影像藝術的可能。