【世界科幻動態】AIGC科幻迎來新玩法——專訪“故事接龍”發起人宋東桓

受訪者簡介

宋東桓，AI內容社區StoryStorm（故事接龍）發起人，編劇、策展人，AI藝術創作專家，曾參與打造“冷湖AI拉力賽”等多個科幻AI主題賽事節展，參與創作“可靈AI導演共創計劃”作品中的《百鬼勿擾》等。

采訪時間：2025年8月27日

AIGC（人工智能生成內容）已深刻重塑科幻創作生態，為廣大創作者將科幻想象落地注入了全新動力。為深入探究AIGC在科幻創作領域的實踐路徑與深遠影響，中國科幻研究中心聚焦前沿探索與實戰經驗，啟動行業深度調研訪談計劃。

本期訪談特邀StoryStorm發起人宋東桓，他圍繞AIGC與科幻創作的碰撞交融，帶來了兼具實操價值與前瞻意義的精彩分享。

（圖片來源：宋東桓提供）

采訪者：您創建的StoryStorm一直致力于搭建AIGC創作社區，并多次組織訓練營和工作坊。能否分享您創辦StoryStorm的初心和愿景？在推動AI賦能科幻創作這條路上，您最希望實現的是什么？

宋：科幻本就是我的興趣，不過故事接龍不局限于科幻。之前在影劇公司，我們每年收成百上千份IP需求，卻要在幾天內從幾百本書里篩選適合開發的項目，而一本書做成電視劇快也要兩三年。過程中存在問題太多，比如平臺、導演意見不一，演員沒檔期、制片人需協調，哪怕劇本大綱階段都認可，后續劇本也可能出問題，演員還會要求改角色。返工是常事，我們經歷過很多次。所以我們想找辦法簡化IP開發，核心是讓文本高效轉化成劇集或電影——我總覺得這事該更簡單。最開始我用3D數字人做漫畫，2023年3月做的逐幀轉制測試，效果好且成本低，但這些類似三渲二的方式，只是高維信息向低維的準確投影。2023年8月之后，AI視頻開始出現低維向高維信息轉化的方式，真正做到了“無中生有”。曾經我們混合制作中稀缺的3D資產，如今也可以輕松獲得。這使我意識到，AI技術加持下，我們將迎來一輪數百倍規模的內容爆發，而在這個爆發的前夜，我們故事接龍StoryStorm的任務就是需要找到全國最優秀的新一代創作者。

就像膠片時代的優秀導演到了數字時代會“水土不服”——那批導演到數字時代面對數字技術、做DIT（數字影像Technician）時很難適應，就算只寫劇本，流程變了，老經驗也用不上?，F在AI來了也一樣，傳統導演面對AI大多不知道從哪里下手。新導演來源五花八門，青年導演，學生，愛好者等等，但最好是30歲上下的。尤其像科幻影視創作，如果是傳統制作流程，難度大，成本高，他們只有知道這行過去的成本、收益，才會花心思深耕；要是連三維制作軟件MAYA、3DMax等都沒接觸過，就會覺得這事太簡單，反而沒那么大熱情。所以我們每年辦近百次活動，就是為了聚集這批人。

采訪者：您既是創作者，也參與賽事和孵化。從社區和賽事的視角來看，您認為當前國內AIGC科幻創作者生態最大的優勢是什么？

宋：當前國內AIGC科幻創作者生態，在兩方面有很關鍵的優勢。一是媒體端的接受度高，不“擰巴”，愿意主動傳播相關內容，這對創作者的作品曝光、生態氛圍培育特別重要。二是技術端的支持足夠扎實。如果在其他國家做AIGC創作，想找免費給積分的工具很難，基本只能充錢。但在國內，我們能直接對接工具公司提需求，甚至跟他們的產品、運營負責人溝通。對方也愿意根據反饋調整優化。現在全球頭部的AIGC視頻模型工具里，大半都在國內——可靈、即夢、通義、Vidu、海螺、拍我、天幕等等這些都是自有模型；國外主要就是Luma、Runway、Veo3、Sora2、Higgsfield這幾個，再加上以色列的LTX AI。

還有個很實際的優勢是創作門檻的降低。以前一個人做內容，得把美術、聲音設計、錄音這些技能學遍。現在不用了——優秀美術師、錄音師的專業能力能轉化成小模型，創作者不用深耕單一技能，只要會組合這些“工具”就行，就像插花藝人，現在花材隨手可得，“組合能力”反而成了天賦的核心體現，這對AIGC創作者來說，無疑是很大的助力。

冷湖AI短片拉力賽

（圖片來源：AI Top100 官網）

采訪者：能否簡要介紹一下冷湖AI短劇拉力賽從作品征集、改編、評審到展映的完整流程？

宋：冷湖AI短劇拉力賽的核心邏輯，其實我們會先從發行端需求倒推內容方向——平臺需要“深度內容”，得是90分鐘以上的長劇情，不然缺乏傳播深度，這也是我們在流程中會重點考量的標準。目前賽事在內容廣度上已有基礎，例如，今年年初我們與快手合作推出的短片，不僅吸引了12家媒體參與傳播，還登上了央視頻的“AI盛典”、央視新聞的“AI奇妙夜”等重要欄目。這充分說明，AI在國內媒體領域已經占據了優質的傳播資源位。國內對AIGC的接受度很高，政策、渠道都沒有阻礙，頂多要求標注“AI制作”。但目前行業沒有破圈的關鍵，還是缺乏批量的深度內容，要是能有1000部90分鐘以上的AIGC科幻長片，肯定能出爆款。

采訪者：冷湖AI短劇拉力賽等賽事，在版權授權和收益分配方面，StoryStorm是如何保障原作者與改編者權益的？

宋：說到版權授權和收益分配，我們的核心原則是跟創作者分成，不僅覆蓋AIGC短片作者，也嘗試過和科幻小說作者合作，不過小說作者合作這塊經驗不足，比如冷湖項目里的部分小說內容，最后也只停留在溝通發行環節。在收益分配上，我們能明確保證的是，短片創作者能拿到制作側的大部分收益，具體金額會根據平臺和發行方式調整，比如是否有中間商服務費等，會存在一定的差異。至于后續的內部流程，各家合作模式不同，沒有統一標準，也就沒法詳細展開。

采訪者：您作為多項AIGC賽事的評委，您會重點關注什么？

宋：評審的公允性不是靠個人決定的，每位評審都是“因子”，只代表個人的喜好。真要實現公平，得靠多位評委、創作者共同搭建評審框架，我們也有一套完整的評委培訓辦法來保障專業性。

從我的個人評審標準來看，首先最看重的是“不一樣”——創作者得有自己主導的項目，我只認可那種有獨特“個人風格”的導演，就像電影圈里的“作者電影”，一看就能知道是誰的作品。這種“個人風格”恰恰是AI最難模仿的，每個優秀導演的風格都截然不同，作品里的氛圍感也特別突出，這是我評判的核心維度。

其次，作品得有“標志性”——哪怕沒有一句臺詞，也能傳遞出情緒，讓觀眾產生共鳴，甚至帶來超出預期的感受，就像變了個小魔術似的，能在短時間內抓住人的注意力。而最高要求還是回歸“個人風格”，導演得清楚自己在創作什么，想法上要有鮮明特點，哪怕風格怪一點也沒關系，關鍵是能讓人記住。

另外，我還會看創作者的積累——得看過足夠多的作品，才能明確自己和別人的差異在哪。這就像寫論文需要引用文獻做對比，我們也是在幫創作者通過橫向對比找到自己的定位。說到底，我們的評審更像“藝術家培訓班”的選拔邏輯，看重的是創作者的長期發展潛力，甚至會讓他們思考一個問題：兩百年后回頭看，為什么還需要你的作品？如果答不上來，那作品的長遠價值就有限。

至于敘事完整性、世界觀一致性這些，在我看來都是創作基本功，就算作品在這些維度上有小缺陷，后續也能彌補，但前提是這位創作者本身具備“會講故事”的潛力。

采訪者：作為超級創作者，您參與了與俞白眉導演合作的AI項目《百鬼勿擾》。在這個項目中，您承擔了哪些具體的創作或技術工作？相比傳統影視制作，您覺得AI介入在哪些環節帶來的變化最明顯？

宋：在與俞白眉導演合作的《百鬼勿擾》項目中，我們核心是用AIGC技術重構動畫制作鏈路，解決傳統重視覺特效作品的成本痛點——傳統流程中，單個人物角色制作成本至少幾萬塊，后續人物動作、運動元素等的制作都要花錢，渲染也很耗時間。

現在我們改用低模（低精細度的模型）做資產，成本降到幾千塊且能反復用，渲染環節我們用AI圖像生成工具Stable Diffusion，轉風格一秒就能完成，既解決了傳統轉風格相似度不足的問題，又能進一步降低成本。整個流程能控制四個關鍵節點，成本大幅縮減：原來幾千萬甚至上億的動畫，未來成本可能下探到幾十萬至幾百萬。當時和導演合作的核心目標是還原分鏡，最終能實現95%的還原度，這樣就達成了我們的階段性目標。

百鬼勿擾項目幕后照片（從上到下依次為分鏡頭手稿、低模資產、AI渲染效果）

（圖片來源：宋東桓提供）

采訪者：AI技術賦能科幻，您認為哪個環節最現實且具潛力？

宋：在科幻IP的變現鏈條里，單純的哲學概念、故事本身其實不賺錢，觀眾真正愿意買單的是“文旅體驗”——比如IMAX巨幕帶來的畫面震撼，大家花八十、一百多塊錢買票，買的是這種沉浸式體驗，而非故事內容本身。如果想在變現上有所突破，關鍵得靠新體驗，比如LBE（Location-Based Entertainment空間沉浸式娛樂）、4DGS（動態3D高斯潑濺技術升級版）這類技術帶來的場景——六十多度視角的虛擬或實景體驗，就像去環球影城，觀眾花錢買的是“在場感”。打個比方，“變形金剛”的內容要是知道一個月后能在平板上看，很多人不會花45塊買電影票；但環球影城的“變形金剛”主題體驗，哪怕價格高，還是有很多人愿意帶孩子去，就是因為它提供了獨一無二的體驗。

而且技術能為這種體驗增加新預期，核心在于“預期管理”——得先讓觀眾有期待，體驗后還能超出預期，才會認可。現在傳統影院的體驗已經飽和了，大家看得太多，想實現超預期，只能靠VR這類新技術。在我們之前的節展經驗中，只有VR體驗項目永遠在排隊，不管什么年紀的人都愿意體驗VR。

所以綜合來看，“文旅體驗”既可行又有潛力，市面上也有很多成功案例，關鍵就是用AI等新技術打造新體驗，突破觀眾的固有預期，這才是科幻IP變現的核心方向。

采訪者：未來2至5年內，您認為新興AI技術會給科幻影視創作帶來哪些變革？

宋：未來2至5年，我認為科幻影視創作會圍繞“虛擬與實拍的深度結合”展開，核心是讓技術更普惠，讓更多有科幻構想的創作者能落地作品。

從當前技術發展趨勢看，虛擬制片會逐漸擺脫高成本依賴，走向輕量化——比如拍攝人物與虛擬科幻場景（像星際艙、未來都市背景）的融合畫面，不用再依賴復雜的專業影棚，一個基礎綠棚加一部手機就能滿足需求，哪怕手機XR制作下來，綠棚邊緣不夠精細，也能通過AI的后續技術優化達到可用效果。而且移動設備的技術潛力會進一步釋放，拍攝素材能直接在手機上完成初步處理，現在已有相關的測試案例能實現這類輕量化制作，未來會更普及。

過去做虛擬制片，需要額外對拍攝設備進行位置定位，操作復雜；但隨著手機自帶激光雷達等功能的普及，掃一圈就能精準獲取拍攝空間的尺寸、高度數據，不用再做額外定位，手機可以自動輸出位姿數據（FreeD），純綠幕拍攝就能為后續合成打下基礎。加上AI摳圖精度的提升，能滿足科幻場景對細節的要求；甚至光線調節也不用再追求現場精準布光，后期通過Wan Animate等模型AI轉風格就能彌補光線差異，角色設計也可簡化——比如科幻片中的機甲、未來服飾，用Blender這類工具做基礎固定造型，就能適配中小體量的創作需求，不用再投入大量精力做高精細度建模。

具體流程上，未來會更依賴數據化協同：比如我們現在把攝影機的位置、角度、變焦等8個自由度數據導入Blender這類工具，這樣哪怕只拍10秒素材，只要掌握相機運動軌跡，就能在后期復現拍攝過程，再將實拍場景與虛擬科幻元素（如外星生物、科技道具）合成。像手機拍攝的低模素材可用于前期定位，高模資產則在軟件中處理，手持拍攝就能完成，哪怕是大范圍的科幻場景調度（比如群體機甲行動、星際追逐戲的鏡頭切換），用“手機+基礎綠棚”的組合也能實現，大幅降低成本。

從素材利用來看，“素材生產解放”會是重要方向：過去虛擬制片需要手動采集、制作大量場景素材，現在借助技術，像多年前拍攝的實景素材（比如舊廠區、自然地貌），都能通過技術轉化為3D科幻素材（比如改造成后啟示錄廢墟、外星地表）重復利用；加上AI生成3D模型工具（如3D生成應用Luma這類）的普及，還有李飛飛WorldLab新模型，如今已經可以單圖生成完整3D橢球體場景，這些素材也還會進一步轉化為AR效果，比如讓觀眾通過AR看到立體化的科幻場景，豐富科幻內容的呈現形式。整體來看，未來這些技術會持續降低科幻影視創作的技術門檻，讓成本更可控，也讓更多創作者能參與到科幻內容的創作中。

采訪手記

宋東桓老師的分享雖然主要圍繞技術展開，卻處處藏著對科幻創作的實際助力。他聊及AIGC技術落地時提到，用手機即可實現虛擬制片，能將傳統科幻影視中幾十萬元的資產成本壓縮至幾千元——這些看似面向全行業的技術探索，實則精準解決了科幻創作長期面臨的“高門檻”痛點。對于許多懷揣科幻想法的創作者而言，“難以呈現星際場景”“無力制作機甲動作”曾是難以跨越的障礙，而AI帶來的技術普惠，正為這些創作者打通“從想象到落地”的關鍵路徑。

談及創作者生態時，宋老師反復強調要挖掘有“個人風格”、能沉淀長期價值的導演，還致力于讓社區創作者能賺到錢，這恰是科幻創作所需的重要支撐：科幻作品需要創作者耐心打磨世界觀與角色，也需要創造能讓創作者安心投入的環境。包括他探索的“文旅體驗+科幻”路徑，也在為科幻IP尋找可落地的變現方向。

采訪者介紹：張子瑞，中國科幻研究中心起航學者

擬刊發于《世界科幻動態》2025年第2期。

文章僅代表作者觀點，供讀者參考。歡迎分享轉發，轉載請聯系本公眾號。

《世界科幻動態》征稿信息

編輯：林雪琪

審定：鄒　貞

來源 中國科普作家協會

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