直擊愛奇藝AI劇場創作營：當奧斯卡攝影大師遇上AI

定焦One（dingjiaoone）原創

作者 | 蘇有寧

編輯 | 阮梅

1895年，巴黎一家咖啡館的地下室，盧米埃爾兄弟的《火車進站》首次公開放映。

當火車沿著鐵軌逼近鏡頭、仿佛要沖破銀幕的那一刻，觀眾們驚慌失措、連連后退——那是人類對“影像”力量的初次戰栗，也是百年電影工業的起點。

130年后，這種戰栗再次降臨。

在愛奇藝的一個封閉創作營里，奧斯卡金像獎得主、《臥虎藏龍》攝影師鮑德熹再次提及這部影史的開山之作。在他看來，AI技術帶給視聽世界的沖擊，不亞于當年那列闖入人類視覺經驗的火車。

正因如此，73歲的他決定開啟一場新的冒險——與愛奇藝共同發起“鮑德熹·愛奇藝AI劇場”創作營（以下簡稱“創作營”），面向全球征集AI創意，從中篩選30組創作者開始訓練，再挑出15組正式進入制片環節。據了解，第一批作品最快將于明年1月上線。

這是一場近乎瘋狂的實驗：一位在傳統認知上已經功成名就的電影大師，試圖帶領30組青年創作者去挑戰目前行業的“深水區”——制作15分鐘以上的商業級AI劇情長片。

11月中旬，「定焦One」走進了這個AI創作營，也在創作營的間隙與鮑德熹，愛奇藝副總裁、智能制作部負責人朱梁，愛奇藝燦然工作室總經理、《我的阿勒泰》制片人齊康聊了聊這場實驗背后的動機、挑戰與野心。

“這是一次百年一遇的機遇，你們是第一批淘金者。”講臺上，鮑德熹對30組創作者說。73歲的人，語氣卻像年輕導演第一次摸到攝影機。

講臺之下，學員們如饑似渴。他們不停做著筆記，偶爾還用電腦測試著什么。每堂課結束之后，還有很多學員圍著老師，溝通自己項目的難點和困惑。朱梁介紹，很多創作組甚至凌晨兩三點還在討論項目。因為這個創作營激發了學員們很多新的想法和創意。

你能感受到，那種久違的、關于電影未來的興奮正在這里重新發生。

15分鐘：AI影像步入敘事“深水區”

現階段的AI視頻作品，多停留在1–3分鐘以內，形式以視覺奇觀與MV拼貼為主。愛奇藝與鮑德熹給出的標準，是至少15分鐘。

這不僅僅是時長的增加，更是敘事邏輯的改變。

“千萬不要小看這15分鐘。”鮑德熹解釋，視頻時長一旦超過5分鐘，就進入電影構造。而要把一個故事在15分鐘內講完，對信息密度、敘事節奏都有極高的要求。因為觀眾沒有耐心等你鋪墊，前3分鐘必須要有高潮，每隔幾分鐘就要有新的戲劇沖突，否則他們就會劃走。

換言之，這短短15分鐘，創作難度絕不亞一部兩小時的電影。

更棘手的是，目前AI技術在長敘事面前，暴露出了一系列致命的短板。愛奇藝副總裁、智能制作部負責人朱梁將其形容為“在技術的不完美中走鋼絲”。

他總結了五大技術難點：

第一，視覺一致性和連貫性。目前AI生成視頻，同一場景在不同鏡頭或時間節點下，其空間結構、道具細節，尤其是自然光影很難保持物理邏輯上的連貫，從而導致敘事空間失真，削弱作品的沉浸感和可信度。

圖源 / 愛奇藝行業速遞微信公眾號

第二，人物表現與復雜動作生成不足。AI生成的表情尤其是微表情的準確性和生動性不足，也無法完整、合理地生成復雜的交互動作，如武打套招。

第三，材質真實感與音畫同步問題。AI渲染出的物體表面，尤其是人物皮膚，存在嚴重的“塑料感”。此外，它很難讓角色的口型與臺詞精準同步。生成的聲音也帶有明顯的“AI味”，缺乏真人說話的特色、口音和情感起伏，聽起來千篇一律。

第四，物理規律不符合常識。AI生成的畫面里，杯子摔碎、球體碰撞后的彈跳軌跡等，常常看起來“不對勁”。尤其是那些需要高度擬真的復雜大場面，比如建筑物爆炸坍塌，AI目前還做不出電影特效中那種以假亂真的震撼效果。

第五，長時序鏡頭的調度與協同。對于涉及多元素、長鏡頭的復雜場景，AI在全局調度與控制上能力不足，很容易導致長鏡頭敘事混亂。

“所有瓶頸都意味著，AI創作正在從‘玩具階段’向‘工業應用’艱難爬升。”朱梁說。愛奇藝的目標十分明確——不做“PPT式AI視頻”，而是做商業級劇情片。商業作品的底線，是“觀眾不能跳戲”。任何技術瑕疵，都會像警報一樣提醒觀眾“這是AI做的”，把人從故事里拽出來。

這正是AI創作最折磨人的地方：當技術瓶頸短期無法突破，創作者只能在藝術表達與內容策略上不斷妥協。“我們設置15分鐘，并不是為了長而長，更多是給故事足夠的容器，同時也進一步激發AIGC技術的真正潛力與生命力。”朱梁說。

從抽卡玩家到新一代導演

技術與藝術之間的平衡，是這次創作營的靈魂。

不同于市面上其他AI課程，愛奇藝創作營沒有把“如何寫提示詞”視為核心，而是把重點放回電影的本體。課程中既有MiniMax內容工作室負責人、生數科技美學專家等技術先鋒講授AI應用，也有在創作一線的爆款導演、編劇——如《啥是佩奇》導演張大鵬、《南京照相館》《孤注一擲》編劇許淥洋，分享敘事經驗與創作心法。

課程大量篇幅都在講劇本結構、鏡頭語言、聲音音樂的情感調動，幾天的密集授課像是一部被壓縮到極致的“導演速成手冊”。

背后反映的，是鮑德熹的一個信念：即便在AI時代，技術不能脫離“電影（Cinema）”而獨立存在。

鮑德熹口中的Cinema，是電影百余年來沉淀下來的影像語言，是一門“用光影講故事”的手藝活兒。

這門手藝包括劇本。

編劇許淥洋在課程中介紹，故事是一個重要的杠桿。一個好的劇本能讓幾千萬的小成本電影創造出數十億的收益；反之，一個爛故事能讓耗資數億的大片“血本無歸”。而對于從業者來說，故事難寫，很多人窮盡一生都搞不清楚，但一旦掌握，便能讓你跑贏同行，跑贏市場，成為這個行業的阿爾法（Alpha）。

也包括鏡頭語言。

鮑德熹用《臥虎藏龍》的實戰經驗，向學員們展示了藝術背后的“算計”。在拍攝這部電影時，他大量使用了40mm鏡頭，而非標準的50mm。因為40mm鏡頭既能讓人物無明顯變形，又能稍稍拉開人物與背景的距離。這種鏡頭上微妙的變化，創造了一個人物內心欲望與外部約束角力的舞臺。

圖源 / 《臥虎藏龍》豆瓣官方劇照

與此同時，《臥虎藏龍》的機位大部分在人物胸口位置，而不是平視。用低機位塑造和凝視人物，強調他們的崇高、掙扎，以及最終無法掙脫命運的悲劇感。

在鮑德熹看來，鏡頭的構圖、視角、運動都必須有藝術目的和敘事功能，是為了更好地講故事而不是炫技。光影雕刻形體，而鏡頭運動賦予電影生命，它決定了觀眾如何“進入”和觀看這個故事。

在傳統的攝影機創作中，這門手藝活兒非常體現攝影師的主體性。

比如會有大導演在關鍵戲份的拍攝時一定要鮑德熹親自掌鏡。因為拍攝的過程會有很多瞬時的藝術決策，幾乎每半秒鐘就是一個新的構圖，攝影師需要根據人物動作和對白，實時決定如何變換角度。人腦高速運轉，充滿了即興與靈動。

但在現在AI生成的視頻里，創作者不用操控攝影機，只需要提示詞。因此，是否還需要掌握這門手藝活兒成為了很多人的疑問。

在創作營，一位電影科班出身的學員表達了當前的迷茫：身邊一些同行，沒有經歷過專業影視訓練，僅憑本能也做出了一些AI片子，流量不錯，觀眾也能接受鏡頭里的瑕疵。“我們還有必要學這些變焦鏡頭、這些手法嗎？”

鮑德熹回答得斬釘截鐵：“你面前是浩瀚大海般的Cinema，要有敬畏之心。因為Cinema才是我們的精神殿堂。”

他強調，電影是藝術的綜合體，融合了視覺、聽覺、敘事等所有藝術門類。當AI技術讓一個人有可能獨立創作時，他需要具備的修養就越多。“如果拋棄了Cinema的語言，也就意味著無法與那些看著電影長大的觀眾進行深層溝通。”

AI讓創作降低了門檻，但決定作品高下的是“品味”。畢竟AI也好，攝影機也罷，工具都只是手段，在掌握技術的基礎上，用電影的思維去講故事，而不是做簡單的“視頻拼湊”。

齊康也表示，AI技術給影視創作制作帶來的革命意義或許是“技術平權”，它將打破專業創作者和業務愛好者之間的邊際，也定將顛覆傳統影視娛樂內容創作和生產的模式。

但對于當下的“專業創作者”來說，除了關照AI技術催生的新生活形態和情感狀態，亦應思考和探索，AI技術如何讓“視聽語言”進化。在齊康看來，電影的一個本質屬性是“影像戲法”，任何新技術的引入都催生了電影形態的進化，AI亦是如此。

尋找新大陸

如何用好AI，這不僅關乎審美選擇，更是一場關乎生存的產業探索。

一邊是傳統影視行業步入寒冬。奈飛CEO Ted Sarandos曾公開預言“電影院時代已經終結”；導演陳凱歌也在金雞獎論壇上不無感傷地指出，那種精雕細琢、追求藝術完美的創作方式，正逐漸失寵于這個追求效率的新時代。

另一邊，短視頻與短劇正以驚人的速度重塑用戶習慣。一分鐘一集的強節奏敘事不僅爭奪著用戶時長，更顛覆著長視頻的敘事邏輯。而AI技術催生的“漫劇”等新形態，以比短劇更極致的節奏和商業模式加速爆發，持續重構內容產業的生態格局。

在鮑德熹看來，AI技術或許正為行業指引一條通往新大陸的航路。“短劇或許只是一陣浪潮，終有退去之時；而AI，則可能是席卷一切的洪水。”

他點出長視頻行業的根本痛點：高成本、高風險、長周期。一部好萊塢大片的制作成本動輒數億美元，劇組規模龐大，每一次攝影機的移動都意味著高昂的軌道鋪設費用。更重要的是，集體創作模式常常讓導演和編劇在藝術表達上處處掣肘。

而AI正在改寫這套規則。它賦予創作者“無限的權力”與幾乎零成本的試錯空間——幾乎可以把它看作是一臺無需軌道的、隨心而動的攝影機。

圖源 / 愛奇藝行業速遞微信公眾號

正是在這樣的背景下，愛奇藝通過本次創作營，試圖在“低成本UGC”與“昂貴PGC”之間，開辟出一條“AIGC精品長視頻”的第三條賽道。

“我們希望讓優質內容以更快速、更富想象力、更低門檻的方式被創造出來，”朱梁表示。愛奇藝正在探索建立一套全新的SOP（標準作業程序）：極低的邊際成本，配以極高的工業標準。

一旦這套模式走通，平臺將不再受制于天價片酬與龐大劇組，而是能夠像現代化流水線般，穩定產出高品質的劇情內容。

朱梁進一步闡釋：“我們以實驗者姿態，主動承受技術不完美對藝術表達的折損，目的是為了極限測試并推動技術邊界。這一切的終極目標，是讓AI強大到無需被特意提及，讓故事與情感重新成為唯一的主角。”

鮑德熹預測，AI創作的黃金期將在五年內到來，當下的所有探索都如同“摸著石頭過河”。他相信，當技術真正成熟時，用AI拍電影也許會像今天寫網文一般尋常。

他將希望寄托于創作營中的學員，語重心長地對他們說：“誰能把握住時代的風口，誰就能成為King of the World。”

這背后，是鮑德熹一以貫之的核心思想：既要擁抱AIGC技術，更要堅守Cinema的靈魂。他鼓勵學員借助AI這一強大工具，去實現傳統拍攝難以企及的視覺想象，但同時必須恪守電影敘事的根本規律——故事、節奏、沖突與情感。他期盼的，是創作出有品味、有娛樂性、能真正打動觀眾的“新一代電影”(Next Generation Cinema)。

“去擁抱新技術、駕馭它，做出心中所想——這就是我的決心。”鮑德熹對「定焦One」說。

結語

在訓練營的尾聲，鮑德熹為學員們留下了若干條創作箴言。73歲的電影宗師，親自指導年輕一代駕馭最前沿的工具——這不只是技術的傳承，更是一場關于電影精神的保衛戰。

愛奇藝的這場實驗，象征著百年電影工業與前沿算法之間的一次深度握手：不是在對抗中走向消亡，而是在對話中獲得重生。

鮑德熹的創作Tips:

確定品味(Taste)：你想講一個什么樣的故事？是《拯救大兵瑞恩》還是短劇？

觀眾至上：不要孤芳自賞，電影是大眾藝術，必須聽到觀眾的掌聲。

不急功近利：珍惜此次發布作品的機會，不要為了趕工而犧牲質量。

必須懂攝影：不懂攝影的AIGC創作者只是在胡拍。

慎用旁白：盡量用畫面和動作講故事，不要依賴大量的內心獨白。

說人話：對白要樸實、生活化，不要故弄玄虛。

節奏：節奏要緊湊，不要有無意義的停頓。

拉片學習：針對自己的題材去拉片，模仿大師的視聽語言。

一分鐘梗概：必須能在一分鐘內講清楚你的故事。

反復審視：用編劇、導演、攝影師三種身份反復審視劇本。

關注表演：角色是故事的靈魂，雖然AIGC很難控制表演，但要盡力去模仿真實的人類狀態。

多角度覆蓋：拍攝時多拍幾個角度（全景、特寫、過肩），為剪輯留余地。

用心配樂：音樂和音效是打動人心的關鍵，不要用廉價的罐頭音效。

大膽用色：可以嘗試全片黑白或特定色調，形成風格。

*題圖來源于愛奇藝行業速遞微信公眾號。