福建
你還記得自己第一次用手機拍照是什么時候嗎？
這個問題有點暴露年齡，記憶中，那時讀高中的我用的還不是智能機，像素也不高。
要是有相似的經歷，想必你也記得，那些年的照片最不缺的就是“朦朧美”。
而時至今日，當我們點開相冊，一張張高清影像在眼前鋪開。
它們記錄著不同的瞬間，一串串拼湊起來，就連成了我們生命的軌跡。
有時候會想，要是100年后的人想考古2023年普通人的生活，或許點開我們的社交平臺就一清二楚了吧。
不過，影像不只有記錄能力。
那影像還能干嘛？
想知道這個問題的答案，我們不妨回到手機與相機出現之前，那個需要用畫筆創造圖像的年代，一探究竟。
因為影像和繪畫有共通的本質，用圖像記錄是人類自古以來的原始沖動。
少年畢加索，就主打一個“記錄生活”。
和我們平時拍照類型一樣，他最感興趣的兩個方向就是：探索人體和捕捉風景。
比如說，他會用許多不同的格式和技巧給家人們“拍照”，同時還不忘“自拍”。
▲ 左右滑動查看
畢加索 《藝術家的 父親 》 《藝術家母親肖像》
《 姑媽佩帕的肖像畫 》 《自畫像》
家鄉西班牙馬拉加的美景也是他觀察記錄的主角。
畫面里，紅褐色的山石，清晰可見。
▲ 畢加索 《馬拉加的山》
直到19歲，畢加索離開家鄉，旅居巴黎，沒什么名氣，畫作也很難賣出去，日子越過越窮。
加上朋友卡薩格馬斯結束了自己的生命，接連不斷地打擊，讓他陷入深度內省。
他似乎發現，單純記錄生活里的人與風景，好像無法完整地表達出自己的內心。
于是他在畫作中加入了一個元素。
藍色。
影像中，色調往往會給人非常直接的視覺感受。
溫暖明媚的春花，要是加入藍色調，你看花的心情會有什么變化？
是不是有種清冷感，還夾雜著若有若無的憂傷。
若是一幅畫，背景是藍色，人物的衣服是藍色，甚至連整個臉頰都是藍的。
▲ 畢加索 《老吉他手》局部
老人干瘦的手指，在深藍的陰影中艱難地彈著吉他。
無需言語，我們就能感受到其中的孤獨與壓抑。
在畢加索被濃暗的藍色主宰的這段時間里，他描繪出老人、窮人、乞丐等社會底層人士。
▲ 左右滑動查看
畢加索 《老吉他手》《憂郁的女人》《悲劇》
陰郁的抒情筆觸，詮釋了自己目睹的貧窮潦倒，以及內心巨大的悲傷。
用色彩，喚醒情感，是畢加索“藍色時期”最大的意義。
這種獨特的創造，讓我們了解到，在繪畫或者拍照時，比起記錄瞬間，更進一步的是將自己個人化的情緒表達出來。
不論是用色彩，還是借以光影構圖，當我們擁有了更廣泛，更自由的表達意識，才能慢慢形成屬于自己的藝術風格。
就像畢加索說的：
當我還是個孩子時，我就會畫像拉斐爾那樣的作品了，但我花一輩子才畫得像個孩子。 ?
他用了一生的時間逆流而上，追尋藝術的本源，也許我們不能確定地說：他走到了終點，但至少，在途中他找到了很多迷人的“石頭”。
其中一塊，打破了“定點透視”。
簡單來說，大多數畫家再現事物的時候，都是從某個固定的視角去畫，也就是說如果站在物體的正面觀察，畫面里是不能夠出現它的背面的，因為看不到。
這是西方幾百年來傳統繪畫一直在用的方法，想想我們拍照的時候也是如此。
但畢加索覺得：
我為什么不能把物體的正面，側面，背面，同時呈現出來呢？
于是立體主義就出現了：
▲ 畢加索《公雞》
從公雞身體的角度來看，畫家大概站在它正左側45度的位置，只能看到一只眼睛。
但畢加索把兩只眼睛都畫上了，其實就是兩個側面的組合，還有一個正面的嗓子眼，一眼望穿。
比起之前看到的畫作，《公雞》很符合我們對畢加索的印象，抽象起來了，但畢竟能看出是大公雞。
更抽象的在這兒：
▲ 畢加索 《格爾尼卡》
這畫的是什么？
我們看不懂，當時的人也看不懂。
但畢加索一向機智，展出作品之前，他都會開個發布會，給大家講講畫里的故事：
1937年，西班牙格爾尼卡發生了人類歷史上第一次對平民的大轟炸。
德、意兩國轟炸機在幾個小時中，向小鎮投下近40噸航空炸彈，格爾尼卡瞬間被濃煙與戰火席卷，超過300名百姓在這次慘絕人寰的轟炸中喪生，鎮內三分之二的建筑被夷為平地，無家可歸者難以計數。
再來仔細看看《格爾尼卡》中的元素：
▲ 畢加索《格爾尼卡》局部
母親抱著在轟炸中喪生的孩子，嚎啕大哭；
女孩從著火的高樓上墜落，高舉雙手上臂，驚恐吶喊，往日鮮活的生命，在這一天失去了所有色彩。
▲ 畢加索《格爾尼卡》局部
還有被折斷翅膀的和平鴿，被武器刺穿傷痕累累的馬……
畫面中看不到炮彈，看不到轟炸機，也沒有一絲血跡，可殘暴、恐懼、痛苦、絕望卻撲面而來。
扭曲的形象，參差破碎的形式，令人暈眩的視覺效果，沖擊著我們柔軟的內心。
面對戰爭，畢加索說：
我的每一幅畫中都裝有我的血，這就是我的畫的含義。
這一時期，他的畫作，具有更強的先鋒精神，你看他似乎每一筆都是奇怪的線條，但每一筆里都有吶喊聲。
藝術不是裝飾品，而是用來迎敵的武器，這就是畢加索的態度和格調。
說到這兒，你是否已經找到了“影像還能干嘛”的答案？
可以表達自我的情緒與態度；
可以凸顯個人的品味與格調；
還可以展現我們不同的藝術創意。
這恰好也是今年“華為影像大賽”對作品視覺立意的要求。
突破了以往單純的記錄瞬間，是移動影像美學的升級，更是引領。
正如攝影大師安塞爾·亞當斯所說：
我們不是用相機在拍照，我們帶到攝影中去的是你曾經讀過的書，看過的電影，聽過的音樂，走過的路，愛過的人。
影像是拍攝者的“語言”，我們的悲歡共鳴，我們對生活的理解，我們的人生態度，都藏在影像背后。
而華為的移動影像技術，與XMAGE影像風格創新，都能更好地幫助我們“說話”。
有了長焦微距功能，無論是微觀的世界，還是遠方的天空，都能被我們收入囊中。
夜景模式也滿足了我們在暗處抒寫情緒的需求。
▲ ? Yra | HUAWEI P50 Pro （左）
?呵呵 | HUAWEI Mate 50 Pro（右）
XMAGE自成一派的影像風格，可以變換原色、鮮艷、明快三種模式，讓我們在藝術創作時體驗其中的真實感、沁潤感、通透感、呼吸感。
▲ ?陸文鵬 | HUAWEI P60 Pro
▲ ?OD | HUAWEI P40 Pro
實話說，移動影像對和我一樣不會畫畫的人來講 ，簡直是超級福利，畢竟大幅度降低了用圖像表達個人態度的門檻，拿起手機，就能參與其中。
這次大賽的投稿時間從2023年4月7日，截止到8月15日。
在4個多月的時間里，無論是專業的攝影師，還是拿著手機的你我，都是表達者，希望能與各種具有藝術格調的影像相遇，也能觸摸到背后獨一無二的靈魂。
▲ ?Stefano | HUAWEI P30 Pro
▲ ? 示申龍 | HUAWEI Mate X3
或許，下一次，當我們點開自己手機的相冊，里面不再只有曾經發生的人與事的瞬間。
而是可以從一張張影像中，看到與眾不同的格調，品到當時的情緒。
它也許會具有很強的視覺沖擊，也許拍攝的創意只有我們自己能懂，但你看到它，就像看到了自己的內心世界：
豐富而執著。
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