《崩壞3》圣痕【克里姆特】有哪些鮮為人知的設計彩蛋？

他的一生縱情聲色，但絕不浪得虛名，他最出名的那些畫作，總是先用黃金吸引你的注意，再用張揚的情感讓你嘆息。

他，就是古斯塔夫·克里姆特。

提到近代藝術界真正的“氪金大佬”，我想，【克里姆特】當之無愧。

因為論用黃金作畫的手藝，這位藝術家可謂是登峰造極！

【克里姆特】的代表作之一，是作于1907年的《阿黛爾畫像一號》（又名為《阿黛爾·布洛赫-鮑爾肖像Ⅰ》，英文名：Portrait of Adele Bloch-Bauer I），它被譽為《奧地利的蒙娜麗莎》。

這一年，【克里姆特】45歲。

這幅畫中除了幾何圖形、裝飾花紋和女主角的臉、手臂等寫實部分，其余都是香燦燦的黃金！而畫中的三大元素：女人、黃金、裝飾花紋，也幾乎會出現在【克里姆特】所有作品中！

上位圣痕，所致敬的就是這樣一幅畫。

當我們仔細對比圣痕與原畫，你會發現，主色調都是閃亮的金色，裙子上都有類似眼睛一樣的裝飾紋案，以及三角形、正方形等元素，2位女主角都戴有精致的頸環，而畫中女主角那奇特的發型，則像是戴了一頂帽子。

小眾電影《Woman in Gold》，講述的就是圍繞這幅畫的故事，據說畫中的這位阿黛爾女士，因為是猶太人，最后死在集中營里。

這份歷史的厚重感，與美妙絕倫的畫面交織，讓其成為了不朽的名作。

中位圣痕致敬的，則是【克里姆特】的另一幅代表作【達娜厄】，【達娜厄】是希臘神話中的一個經典故事：著名糟老頭子、天神宙斯，某天看上了凡間小妞達娜厄，于是化身一陣黃金雨降下人間，與她發生了“不可描述事件”！

話說，如果以現在的俗世觀來定義，宙斯也算是老色胚，絕世渣男，私生活那是各種亂。

我個人還是比較喜歡這種古典主義風格的油畫，雖然看上去比較刻板和規矩，但是比較寫實，屬于看多了也不會厭的款。

是的，請你先不要吐槽“這怎么可能”！

希臘神話就是有太多這樣的“亂來”！

你或許應該說“好膩害的樣紙”！

又或者是“你怎么能穿品如的衣服”？

這個題材很“敏感”，許多藝術大師都以該【達娜厄】進行過創作！但可能還沒人像【克里姆特】這般前衛而大膽。

怎么表現“纏綿”？

畫家用的自然是真正的黃金雨！而【達娜厄】那卷起的身姿，凌亂的長發，緊閉的雙眼，微張的小嘴，泛著緋紅的臉頰等細節（也就是俗稱的“climax”），已經將一切不可明說展現的一覽無余！

我們再回過頭看中位圣痕，這位傲嬌小俏妞，身著金色百褶裙套裝，長發飄飄，十分窈窕。她的身姿、金幣之雨和背后像床單一樣的布，這綜合的意象，都明明白白寫在了畫里。

回憶起約10年前第一次看古斯塔夫筆下的女人時的那種感覺，當時只是覺得真心好看，因為線條感真是無可挑剔。

而以現在的角度再來看，會覺得只有深愛一種“物件”，才能將美丑精準表現。

裝飾畫的首要目的是【裝飾】，好看是第一位的，至于內涵與寓意，其實并不是那么重要。古斯塔夫的作品，由于畫家經歷的事兒多了，中后期的作品才覺得的確久看不厭。這應該也就是藝術作品能超越時代的根源吧！你覺得呢？

衍生的一個問題是：為什么你會喜歡克里姆特？or為什么你不喜歡克里姆特？

最初，我也很好奇，這【克里姆特】為何總是喜歡在畫中反復展現裝飾紋案、黃金和女人？這或許要和他的身世說起。

古斯塔夫·克里姆特，1862年的7月14日生于奧地利。他的父親是一位來自波西米亞的金匠，這個家庭擁有7個孩子，生計全都依仗父親的黃金手藝，總的來說比較拮據。

于是，克里姆特自小就熟識并熱愛這種貴重的金屬，并在余生，將其融入自己的藝術創作，發揮到了令后人難以企及的高度。

1876年，年僅14歲的克里姆特獲得了維也納藝術工商學校獎學金，由于天賦異稟，19歲的他就已加入權威美術協會，數年的校園歲月將其塑造為一名建筑學畫家，這也為日后其畫作中別具一格的裝飾紋案埋下了伏筆。

從克里姆特的早期畫作中，我們能看出他擁有極高的學院派繪畫基本功，他的寫實無可挑刺，構圖也完全符合古典主義強調的均衡，即使未來不“劍走偏鋒”，克里姆特也至少是一流的學院派畫家。

同時，俗話說“窮人的孩子早當家”，為了分擔家中的經濟壓力，克里姆特很早就開始了“創業”，憑借扎實的繪畫功底，念書的時候，他就與親哥（好像是親弟弟）和另外一個同學成立了“工作室”，專門為大型機構創作裝飾壁畫，還曾拿下維也納國家歌劇院的訂單，據說賺了不少錢。

如果一切就這么風調雨順下去，克里姆特可能就不是后來那個為人所知的那個“壞男孩”了。

1892年，克里姆特的父親與兄弟先后去世，而立之年的他必須承擔家中所有的經濟責任。而他那位一直夢想著當音樂家的母親（上圖），因為承受不住打擊，患上了抑郁癥，進而精神失常。

沒人知道這些家中的重大變故對于克里姆特的刺激有多大，但我相信，這位藝術家應該是猛然看透了很多事，不管是人生，還是情愛，亦或是女人。

從那以后，克里姆特的畫風開始慢慢改變，人生的軌跡也越發“妖嬈鬼魅”起來。

很快，克里姆特便進入到一個名為“金色時期”的巔峰年代，前面我們聊到的《阿黛爾畫像一號》和《達娜厄》，都是這期間的作品！

這里很值得一提的是1894年，克里姆特受托創作3幅畫來裝飾維也納大學大廳的天花板。

但作品《哲學》、《醫學》與《法學》（上圖），因主題過于激進而遭遇公眾強烈抗議，最終不僅沒能放上大廳的天花板，當時的教育部長還因此辭職。這件事對畫家本人應該也有極大的傷害，此后，克林姆特再沒接受過任何公眾任務。

1945年5月，這3幅畫被黨衛隊銷毀，如今我們只能用照片來觀賞這3件作品，想想都覺得遺憾。

1897年，鑒于“印象主義”在法國正搞的風風火火，克里姆特認為維也納的藝術也需要一些“新空氣”，并率領一票志同道合的小伙伴，包括畫家、雕刻家、建筑師等，成立了維也納分離派（Vienna Secession），旨在傳播、分享國內外的優秀藝術理念和藝術作品。

而克里姆特自己，則是杠把子的老大哥，當之無愧的“無冕之王”。也是分離派宣言“將藝術獻給它所在的時代，將自由獻給它所在的藝術”——堅定不移的信仰者和實踐者。

有趣的是，與印象派不同，分離派獲得了維也納官方的支持，還在維也納市中心給他們批了一塊地建立“會所”。話說，對比印象派的那些人來說，分離派的處境真的是一個天一個地。

克里姆特所領導的【分離派】，十分強調運用幾何形狀，尤其是正方形和矩形。這種風格體現在他的很多作品中，上位和中位圣痕也有對這種風格的致敬。

那段時期，如《吻》、《真相》、《友第德》等作品帶來的視覺震撼，無一不是克里姆特對傳統藝術理念的大膽沖擊。或許這一切，都可以用他寫在《真相》頂部的這段話來解釋吧！

“如果你不能以你的成就與藝術滿足所有人，那么，就滿足少數人吧。滿足全部，便是壞事！”

那么，我們該如何品味克里姆特中后期的這些畫作呢？

下位圣痕，又藏了哪些隱喻呢？

他與無數女人間的風流韻事，真的那么傳奇嗎？

說起來，雖然古斯塔夫風流成性，但好歹人家一生未婚，所以談不上什么對情感的忠貞。

似乎歷史上不少有名的大人物在私生活上都比較混亂，古斯塔夫、畢加索、海明威，甚至愛因斯坦、薛定諤等這種，一個人的成就，或許與之世俗眼光下的道德表現要分開來看吧——

不管你是否承認，這就是古往今來的現實。

古斯塔夫·克里姆特成為了“維也納分離派”的帶頭大哥，而且開創了自己的“黃金時代”！

所以，原畫師為了表現這種意象，給圣痕原畫中的【克里姆特】引入了金色的王冠，這不僅是一種簡單的裝飾，也是對其將黃金用到登峰造極的贊揚，更是隱喻了其分離派領導者，和當時奧地利畫壇一哥的地位。

1907年，克里姆特創作了他“黃金畫作”中的最后1幅，或許也是最著名的一幅——《親吻》。

在懸崖邊的這對男女，被金色的華麗包裹著，擺出讓人揪心的擁吻姿勢。男性在左，看不到面容；女性在右，面容十分緊張，這樣的畫面，甚至讓人覺得這是在強吻。

仔細看，女子纖細的雙腳正被金色的藤蔓緊緊纏住，這究竟是想擺脫對方的深情和束縛？還是女人特有的欲拒還迎？

那象征男性的黑白灰三色方塊，與象征女性的彩色圓圈和點，在裝飾性和神秘主義間達到了微妙而極致的平衡。

不管是不是一吻定情，這愛情和人生一樣，我們時刻都在懸崖邊漫步，嚴肅而又純粹，不是相愛，就是相忘，不是生，就是死，再無第三種選擇。

不少藝術史書籍將《親吻》視為克里姆特“黃金風格”的巔峰之作，我是認同的。同時，盛極而衰也是必然的，克里姆特所引領的“維也納現代主義”，很快面臨著終結。

1908年之后，分離派的美艷題材與裝飾畫風，逐漸引發越來越多的社會爭論，克里姆特本人也慢慢進入了持續數年的藝術創作瓶頸期。

于是，克里姆特開始通過四處旅行進行心靈療養，畫風也隨之改變。

印象派風格的風景畫、浮世繪風格的人物畫甚至中國風濃郁的畫作他都嘗試，慢慢的，畫布上的主基調少了黃金，同時，黑色的陰影時常驅逐著繽紛的色彩。

1911年，一幅寓意深刻名為《生與死》的杰作誕生了。一邊絢爛，一邊灰暗。

畫面左側，是帶著恐怖笑容的死神，身上滿是象征死亡的黑色十字架。畫面右側，是用男女老幼代表的蕓蕓眾生。彼此擁抱的人群寫滿了不安，一旁的死神卻“淡定而從容”！

是啊，該來的總會來的。死亡，是對所有人的公平。

我想，那時49歲的克里姆特，名望、財富、女人什么都不缺，他對于【生與死】的想法，或許會更超然一些。

回到下位圣痕。

你可以已經注意到，此時，小俏妞的套裙不再是絢爛的金色，象征憂郁的暗藍色成為了主基調，死神風格的黑色十字架與黃金風格的金色十字架交織，象征了克里姆特兩種風格的堆疊與轉換。

沒錯，小俏妞的造型致敬的就是這幅【生與死】。

而那幅長方形畫作，致敬的是克里姆特版的《莎樂美》。如果你看過《圣痕故事·王爾德篇》，對莎樂美應該不陌生。

作為“情欲”的代名詞，【克里姆特】畫筆下的莎樂美，眼神迷離、袒胸露乳、性感妖冶（ye），她美麗的面龐中暗含悔恨，雙手僵硬卻飽含殺氣，畫面下部僅露出約翰的半個頭。豐富的色彩與裝飾紋案，在畫布上透出一股悲愴，生與死的沖突，愛與恨的傷感，真是矛盾又復雜。

原畫背景用的則是克里姆特著名的《生命之樹》，這幅畫創作于1909年。

此時的克里姆特已經將裝飾工藝與繪畫藝術玩得爐火純青，這幅作品采用了大量的金箔和銀箔，并將古亞述、古希臘和拜占庭鑲嵌畫的裝飾特點引入，深情擁抱的戀人、和蝸牛殼的花纊（kuàng）以2種方式暗示了生命的不斷延續。

總體而言，這幅富麗堂皇的壁畫極具東方色彩和神秘意境的效果，絕對“高端、大氣、上檔次”！如果你家里缺點兒什么裝飾壁畫，希望能提升逼格，克里姆特的作品絕對是不會讓你失望的好選擇！

說到這兒，再來理解滿星背景就相對容易了。

這其實就是一種裝飾紋案，不管是通體的土豪金，像云紋般的翅膀，內嵌的像眼睛般的圖案，還是最下方的6個小圓點所暗示的螺鈿（luó diàn），都帶著鮮明的克里姆特裝飾風格。

所謂“畫出來的鑲嵌質感”，便是如此。

奧地利出名的畫家并不多，克里姆特也并不是俗稱的“土著”，人家本來就是個移民。可能，維也納這種地方更適合產出音樂家這種用旋律打動人心，而不是繪畫這種用形象來直抵人心的藝術形式。

嚴格來講，克里姆特的畫作也不是傳統的繪畫，而是一種“裝置”，這或許也是他的別致之處吧。

當然，只要提到克里姆特，總繞不開他傳奇的風流韻事。他一生都在沾花惹草。

而縱觀古今中外，無數女人難免會被克里姆特這樣的男人吸引——他足夠多金、才華橫溢，因為親歷生命中的沉痛，他必然溫柔而善良，因為深情，反而多情。

作為情場老手，他足夠懂女人，更懂情愛中的美與丑、愛與痛。他自知給不了承諾，便永遠不給女人期待的答案——婚姻。

他就是那種讓女人又愛又恨的標準款，他讓女人在淚水與甜蜜中反復沉淪，以這種方式教會女人成長，然后悄然離開。克里姆特是這樣的“懂”女人，在他的畫筆下，女性往往只有2種：要么，高貴迷人、典雅端莊；要么，是艷俗頹廢、風情萬種。

沒有人知道克里姆特一生究竟有過多少女人，因為實在是太多了。

但“慶幸”的是，我們知道克里姆特有三個最愛的模特，分別是：相識相知20年，始終不離不棄的伴侶——艾蜜莉·芙洛格；畫作【友第德】的模特——阿黛爾；另一個，則據說是《達娜厄》和《金魚》中的模特，那個被稱為“紅色希爾達”（Red Hilda）的神秘紅發女子。

額外提一句，圣痕原畫上的小俏妞都是紅發，并非畫師心血來潮。克里姆特其實是個“紅發控”，品味他的作品，你會發現他真的很愛描繪紅發女子。

所以，我想，這也很好地解釋了為何3張圣痕原畫上各有1個身著黑色晚禮服的人偶，這3個人偶，應該就是對應這位大咖3個最愛的模特吧！否則，為什么不只畫1個呢？

如果讓我去評價【克里姆特】，應該就是【純粹】，或者【真實】。

作為藝術家，他的作品沒什么好挑剔的，或者充滿情欲或者寫著深刻，但絕不矯揉做作；作為分離派的領導者，他很重視并鼓勵新生力量，比如英年早逝的天才畫家埃貢·席勒，便是由他一手提攜的；作為男人，他耽于情色，絕不掩飾自己的風流。

或許，很多人喜愛克里姆特，是因為他活出了人性本來該有的樣子。

古斯塔夫·克里姆特，窮盡一生，用紙醉金迷的鑲嵌結構、意亂情迷的美麗臉蛋、妖嬈神秘的裝飾紋案，給我們展示了他對生與死的理解，對情欲刺激的描繪，對人性本真的探索，這一切，每一分寸，都美得讓人窒息。

1918年，克里姆特在創作這幅名為《新娘》的作品時不幸中風，并因流感，于2月6日病逝于維也納家中，享年56歲。

一切的喧囂與浮華、奢靡與放縱，就此落下帷幕。

希望你能找個時間，認真品味【古斯塔夫 克里姆特】的這些作品，相信你會有所收獲的！

這里也不免想到畢加索。

如果克里姆特是博愛但不婚，那么，在世的時候，就見證了自己的作品被選進盧浮宮的畢加索，就是博愛但多婚，據說連著名的香奈兒女士也深受其影響，而且，有很多女人愛他愛到發瘋，甚至有點為了他殉情的意味。

雖然我并不知道那些“奇怪的畫作”是否與古典美學的作品擁有相近的分量，但人一旦成為世界聞名，好像對于凡人的不合理，就變得合理起來。

這合理嗎？

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