上海
袁侃
1971年出生于上海。現任職于上海油畫雕塑院，一級美術師。現為上海市美術家協會會員，中國雕塑學會會員，中國工藝美術學會雕塑專業委員會會員。
羅伯特·休斯曾經說，“藝術不跟我們辯論，只是賦予我們感受。”藝術審美向來是一件主觀的事情，藝術家把真實的世界揉碎，轉而用自己的方式重塑。
當被問到最新作品與以往作品之間沒有直接的關聯時，袁侃老師笑道：“這可能是還不夠了解我或未能完全理解我的創作意圖。我并不強調作品必須具有某種專利般的獨特性或視覺上的連貫性。因為我從未對自己的作品感到滿足，我始終在實驗，這是我認知世界的方式。有時有效，有時卻未必。但至少我始終在探尋某種表達方式，這就是為何我不斷改變，我在變，時間在變，一切都在變。”
多年的藝術創作為袁侃帶來一種超越感官的感知，也為他不斷在藝術上突破自我提供了要求和可能。“想得多、做得少對藝術家來說或許是比較對的”，真正的創作需要保持不停地思考，那不是對現狀的不滿，而是創作者與生俱來的自我追問。
“表達勝于完美，活力勝于完成，不確定勝于確定，未知勝于已知，朦朧勝于清晰，個體勝于全體，內在勝于外在”。在他的作品中，我們得以窺見一位有趣而自信的藝術家，如何通過持續的創作，不斷拆解并重建自我。
《標記》
鑄銅 21×14×14cm 2020
《沉沒世界》
紙本、色粉、木炭、鉛筆 79×110cm 2021
胡潤百富 · 袁侃專訪
胡潤百富：您如何定義自我的個人風格？
袁侃：
我在國內藝術生態中，還算比較另類的存在，我曾經概括自己是一個“四跨”藝術家。首先是跨越體制內外，我任職于上海油畫雕塑院，屬于體制內單位，但同時和體制外的畫廊、藝術家保持密切合作與交流。第二跨平面與立體創作，既做大量平面繪畫，也持續進行雕塑創作，這種綜合實踐在國內相對少見。第三是跨抽象與具象，我的風格是流動的，在21、22年作品偏重具象，到25年已明顯轉向抽象，形象是逐漸消解的。雖然很多藝術家都有從具象到抽象的歷程，但我的路徑可能更鮮明。最后是跨材料探索，不斷嘗試如紙本、色粉等相對冷門的媒介，這類材料在國內作為核心手段的藝術家不多，不過我更看重的是持續的自我突破，不愿停滯在某一種固定模式里。
《夢境 NO.2》
布面丙烯 240×180cm 2025
胡潤百富：雕塑與繪畫這兩種藝術形式之間是否有互相影響？您是如何平衡這兩者之間的創作？
袁侃：
雕塑和繪畫是一個互相促進的過程，我比較隨性而行，可能畫完二十張紙就轉向雕塑，做完四五件雕塑又可能再開始新的丙烯作品。雖然方式看似任性，但保持著每天去工作室的節奏，哪怕每天只停留兩小時。真正重要的不是工作時長，而是讓身體始終處于創作場域之中。在那些看似靜止的時刻，思考始終在流動。
藝術最終會回歸到最樸素的本源。無論雕塑還是繪畫，都源自眼睛、雙手、思考，媒介間的關聯，我沒想過，也不需要刻意營造，當藝術家保持真實的內在凝視，所有的表達自然會同頻共振。
《冷山》
銹色鋼板 500×25×150cm 2025
胡潤百富：您每次展覽的題材跨度很大，您如何看待創作階段中不同題材的轉變？可以談談創作它們時有什么不同的感受和心態嗎？
袁侃：
這五年創作題材的轉變，始于那段由于口罩原因被意外延長的歐洲旅居。從計劃中的短暫停留，到實際長達半年，一再被打亂，這段特殊的經歷甚至在回國之后，讓我以“一段不可復制的旅行”為題在上海理工大學開設講座。那時歐洲很多場所陸續關閉，只有教堂。在空寂的教堂里，壁畫、穹頂、雕像不僅僅是靈感，也共同構成了特殊時期的精神慰藉。2020年歸國后的首批創作，就有那段背景體驗下的投射，創作間流淌的，既有當時的無助與壓抑，也有穿越黑暗時獲得的精神慰藉。
創作的過程更像是寫日記，前兩年用創作疏解壓抑，近兩年則轉向諦聽內心的寧靜。這種轉變看似迅速，實則是生命經歷特殊體驗后，創作本質的自然沉淀。許多藝術家需要二十年完成的蛻變，在我這里被凝聚成五年兩個階段。時間雖短，卻同樣走完了從向外表達到向內觀照的完整路徑。
《影子紀念碑 》
不銹鋼著色 2025
胡潤百富：說到創作過程，您怎么看待藝術創作的本質，有什么經驗之談嗎？
袁侃：
藝術創作的本質，在于突破“舒適圈”，不斷走出熟練的邊界。從雕塑轉向繪畫，那個是痛苦的，但回過頭看是必要的。還有就是細節，專業訓練往往會讓人陷入形式的陷阱，極易出手就成“套路”。每當畫筆過于順暢，畫面過于完美，我就會停下，這會有問題。
創作對于藝術家來說是與生俱來的，每個人有自己的創作方法。但創作有時也像是與作品的搏斗。在這期間，熟練是最需要警惕的，太過熟練反而會沒有生命力。這時候我寧愿停筆將作品擱置，再度審視，是不是有一些過于熟練的手段，于是修改、涂抹，經常，第一筆下去到最后找都找不到。在反復涂抹中，作品才真正開始自主生長。
藝術創造還很重要的是要給自己設個線。最難的不是無止境地修改，而是懂得在恰當的時刻放手。這種分寸的把握，既考驗藝術家的能力，也需要藝術家保持清醒的自覺。一定不要太把自己的作品當回事。藝術家如果太把自己的作品當回事，狀態就會發緊。當心靈足夠松弛，雙手自會找到方向，那時作品不再是刻意追求的結果，而是自然生長的生命體。
《樂譜No.5》《樂譜No.4》
紙本水彩 40×55cm 2024
胡潤百富：您如何看待藝術創作中作者與觀眾的關系？
袁侃：
所有搞藝術的，無論是音樂又或是電影，都喜歡跟觀眾耍一個小聰明。你會在作品里埋藏一個類似“密碼”的存在，當某位觀者敏銳地捕捉到它時，便完成了一次跨越時空、地點的默契交流，我覺得這也是藝術家比較有意思的地方。這種心靈觸動，遠比任何解說都來得珍貴。因而我一直強調藝術是不可言說的，存在于語言之外，一旦說了，就將觀者框住。所以很多藝術作品都叫無題。
不讓觀者受限，讓觀者自己去感悟，有趣的是，當你保持這種開放的、自由感知的權利，觀者常會帶來意想不到的饋贈，他們從作品中讀出的，有時是連創作者都未曾察覺的。這種"此處無聲勝有聲"的共鳴，成為了更高級的感悟。
藝術從來不是說教，而是能量的共振，通過作品散發微妙的頻率，有人瞬間共鳴，有人需要三次駐足，這都無妨。如果一件作品能夠讓人在離開展廳后，仍繼續思考，也是一件有意思的事。
本文系胡潤百富專訪，素材來源于受訪者
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