“初代羅朱CP”告別，四度來滬的它憑什么燃爆觀眾熱情？

12月18日，法語原版音樂劇《羅密歐與朱麗葉》在上海文化廣場開演，這部法語經典之作的四度回歸，自開票便備受矚目，全場次迅速售罄。作為2025中國大陸巡演的收官之站，原版“羅密歐”達米安·薩格與原版“朱麗葉”希西莉亞·卡拉亦將在職業生涯中最后一次在音樂劇的舞臺上飾演這對傳奇愛侶。

羅密歐與朱麗葉近乎成為浪漫愛情故事的原型，無數充滿工業糖精味道、從文化流水線上搬運下來的拙劣仿品汗牛充棟。然而當《愛》的熟悉旋律再度唱響，跨越半個世紀的愛情故事又一次煥發光彩。這部音樂劇何以依然能夠打動當代觀眾？

毫無疑問，莎翁的早期悲劇《羅密歐與朱麗葉》（1594），是這位文豪生前最受歡迎的劇作之一。該劇是那極少數的正典，它塑造了某種足以嵌入人類文化冰山之基底的文學原型。后世任何對篤信浪漫愛情的年輕戀人的描寫，都難以擺脫莎翁此劇的影響。

莎士比亞提煉了諸多原型，如意大利作家馬泰奧·班德羅的作品。這位小說家以仿效《十日談》創作的，風格粗糙的短篇小說聞名，其同名小說，被廣泛認為是莎劇《羅密歐與朱麗葉》的源頭故事。1562年，英國詩人亞瑟·布魯克將該小說改編為詩歌《羅密歐與朱麗葉的悲劇史》。5年后，英國作家威廉·佩恩特，又把這首詩歌再次改寫為散文體，刊載于《歡愉宮殿》一書。莎士比亞在創作時，直接借鑒了這兩位英國詩人作家的改寫版。然而最終，出自莎士比亞之手的這出五幕悲劇卻蓋過其原形，兀自成為嗣后西方愛情傳奇故事的坐標原點。

自誕生起，《羅密歐與朱麗葉》就不斷被改編。復辟時期以降，英國本土戲劇家們，依照時代的要求，刪改莎翁的戲劇，剃去其為娛樂觀眾而設的喜劇毛刺，使之變得雅馴。到19世紀，莎劇逐漸正典化，并成為構成英國國族想象共同體的關鍵要素，忠實于原著的版本開始成為主流。英國演員及戲劇導演、20世紀英國劇壇“三巨頭”之一的約翰·吉爾古德爵士1935年制作的版本即是如此。吉爾古德甚至想要徑直回到伊麗莎白時代的舞臺中，啟用彼時的服裝和布景，來還原完全原汁原味的莎劇。

在或轟動一時，或寂寂無名的一眾《羅密歐與朱麗葉》改編中，法國作曲家捷哈·皮斯葛維克打造的同名音樂劇，取得了令人矚目的成功。2001年于法國首演后，該劇即刻成為全球范圍內最受歡迎的法語音樂劇之一，歐洲媒體贊譽其為“21世紀最偉大的流行音樂劇”。出自該劇的金曲《愛》和《世界之王》，其唱片銷量更高達數百萬張。

音樂劇《羅密歐與朱麗葉》巡演足跡遍及全球。2018年4月5日至4月22日，該劇首次登陸上海文化廣場，共演出20場。而2025年12月，《愛》在上海文化廣場的深曠舞臺中第四度唱響。作為年末的收官大戲，音樂劇《羅密歐與朱麗葉》此次演出，計有14場，從12月18日一直延續至12月28日。

羅密歐與朱麗葉近乎成為浪漫愛情故事的原型，無數充滿工業糖精味道、從文化流水線上搬運下來的拙劣仿品汗牛充棟，這部音樂劇何以依然能夠打動當代觀眾？而吉爾古德式擬古的演繹法，似乎已不再適合當代這個被解構得仿佛已然墜入非歐幾何平面的舞臺。

法版《羅密歐與朱麗葉》的應對方式，是在莎劇情節主線基礎上，徹底重構，只留下嶙峋的腳手架支撐原作的結構。因為，很大程度上，原作的情節進展依賴于角色的言說欲念。

莎士比亞戲劇的核心要素乃是詩歌和語言，在《羅密歐與朱麗葉》中尤其如此。劇作家在此一意大利背景的故事中，盡情實踐他商籟體的寫作藝術。這一誕生于意大利，有著嚴密格律的詩體，曾于彼特拉克的《歌集》中，顯露其在書寫愛情時所擁有的，如絲綢一般細膩的音色。當羅密歐愈發深陷情網，就愈發親近商籟的寫作。

而在音樂劇《羅密歐與朱麗葉》中，繁復華麗的莎劇臺詞，讓位于充滿張力的舞臺動作和近乎炫技的燈光調度。彼此仇視的凱普萊特、蒙太古兩大家族間的爭吵與斗毆，簡化為一系列舞蹈動作，和演員們肌肉驟然發力時的戰吼。處理此種群戲時，該劇常采用靜場手法，讓舞蹈演員成為一座座被燈光染色的雕塑。他們依照次序，逐一開始活動起來。如此，一場無序的群戲便被切割為一個個具體而微的小型啞劇。

擔綱該劇燈光設計的湯姆·伊度穆，不僅深諳歌劇、戲劇的光影語法，也在為流行音樂演出及大型慶典，如阿聯酋建國25周年慶典等項目工作時，積累了豐富經驗。他為這出音樂劇設計的燈光，顯然不像一般的戲劇燈光一樣，只是觀眾注視的延伸，注釋一般緊隨著人物，作為修飾及潤色。

《羅密歐與朱麗葉》的舞臺燈光幾乎過分明亮，它如慶典般恢宏，如演唱會、燈光秀般絢爛而富于動感。當它漫射為無數星星點點銀屑般的碎片時，常常從木地板到天花板地盈滿整個舞臺。我們能看到如珊瑚般在降下的透明幕布上生長的凄涼燈光，也能看到充斥各色花紋的巴洛克式的繁雜燈光。后者時常平鋪整個舞臺，如同波點，不斷調試色溫，變幻色彩。

該劇的舞臺布景，一堵仿佛斗獸場外墻般的巨大構筑物，以及幾座能夠翻轉，在室內景和室外景之間切換的塔樓，既充滿厚度，無比具象，又在燈光與舞美的助力下，變得高度符號化。劇情時刻遵循顏色的語法：紅色代表冷漠、傲慢、自恃清高的中產階級家族凱普萊特，藍色象征富裕、浪漫、高雅的蒙太古家族。不僅人物性格透過服飾的顏色與版型區分，場景在兩大家族間的切換，亦通過燈光主題色的改變加以標明。

顏色：其細膩變化的色溫，其由此及彼的過渡，是敘事至關重要的一部分。而當死神在舞臺上被具象化時，她的代表色即為白色，一種集合了所有顏色的顏色，一種足可以抹去其他顏色之存在的顏色。這一主題色除了一以貫之地黏著在死神身上，就只在羅密歐與朱麗葉那里出現。他們彼此間的愛欲，也許僅僅是向死而生的求救信號。

朱麗葉想要逃避被困在無愛的家族聯姻中的命運。她的親生母親要求她恪守女人的本分，其父親雖不忍，卻從不吐露。惟有乳母，從另一個同樣渴求確立自身主體性的女性角度，平等地看待朱麗葉的往后人生，但在羅密歐出現之前，她的關切也于事無補。

蒙太古家族則被賦予波西米亞式的不羈色調。他們曾高聲合唱自己是“尋歡作樂，男歡女愛，日復一日，年復一年”的“世界之王”。但在這首金曲《世界之王》中，陰影亦始終存在，這群天之驕子同樣“因為分不清什么是狗，什么是狼”而“膽戰心慌”，只能縱情于聲色犬馬。

這出音樂劇，以死神的獨舞開始，以兩大家族和解的合唱中最后一個重音“愛”結束。在刪去莎劇標志性的多線敘事，砍掉帕里斯伯爵之類配角的戲份，將五幕劇濃縮為絲絲入扣的上下兩幕后，主創們惟有努力維持歌曲部分與臺詞部分間相互轉換的節奏感，才能使該劇凝練而不單調。歷經如此大刀闊斧的更改，法版《羅密歐與朱麗葉》如同被層層剝開的水果，只剩下原作中最為堅硬的果核：那是一種難以再現的，近乎天真的人文主義精神。

這便是該劇超越于流俗愛情悲劇的地方，一對愛人的殉情，比之親王的禁令，更能起到讓維羅納這座城市因兩大家族之世仇而撕裂的傷口愈合的作用。不再有彼此推諉與互相指責，仿佛機械降神一般，凱普萊特與蒙太古家族的女主人不約而同地發現了愛子、愛女死亡的真相，在對自身罪行的懺悔中，她們攜起手來，獻出最后一支愛的合唱。從此，寬容戰勝了仇恨，生命戰勝了死亡，記憶戰勝了遺忘，《羅密歐與朱麗葉》的故事在當代舞臺上，依然熠熠閃耀光芒。

來源：孫芮