中國設計師的十年一瞬ISSUE 03

楊桂東

SAMUEL GUì YANG

在SAMUEL GUì YANG創始人楊桂東（Samuel Yang）看來，他過去10年在SAMUEL GUì YANG品牌中所做的所有創作，比起純粹地將傳統東方審美移植到當下，更像是在時裝創作中找到一種東西方文化共融的方式。現在與過去，倫敦與上海，在時間和地理坐標的不斷切換中，他逐漸捕捉到了其中的共同特質，并將其轉化為設計語言。“東方”元素在楊桂東的創作里不是一種符號，而是一種帶有情感溫度的會不斷生長的記憶體。

如果要盤點過去10年間有哪些中國設計成為過流行趨勢，那“新中式”絕對是代表之一。

不過，“新中式”更像是一個幫助消費者理解和記住的標簽，并非是這些創作者本身的創作意圖。對于那些以傳統東方美學為靈感的時裝設計師來說，他們對傳統美學的“煥新”并不是一個標簽就可以承載的。“新”體現了不同設計師對于自己文化身份的看法，也體現了他們如何審視傳統文化與當代生活之間的關系。

作為很長一段時間里被大眾以“新中式”美學記住的設計師品牌， SAMUEL GUì YANG 所呈現的時裝，與傳統東方美學之間的“新關系”，更多的是根植于設計師楊桂東的生活經歷。

自2015年從中央圣馬丁藝術與設計學院畢業后，楊桂東很快就建立起了自己的同名品牌 SAMUEL GUì YANG ，開啟了自己在倫敦與上海的雙城生活與創作模式。正如他在品牌網站上的介紹所說， SAMUEL GUì YANG “通過融匯中西方美學語言以及歷史和當代的參照，創造出既恰當又具有挑戰的視覺語言，用嶄新的角度詮釋東方韻味。”2017年，設計總監Erik Litzén加入，擅于對服裝工藝及視覺語言進行不斷創新的他，更加帶動 SAMUEL GUì YANG 以嶄新視角詮釋東方韻味。

SAMUEL GUì YANG設計總監Erik Litzén

我們可以在 SAMUEL GUì YANG 的設計中感受到這份獨特性，譬如品牌標志性的小李夾克（Lee Jacket），以傳統的中式服裝為靈感，將其轉化為了一件可供現代日常穿著的時裝夾克。其外觀又有著一種近似于沙漏的形態，在某種程度上對應著西方時裝中的一些經典廓形—它們有著相似的形態和相似的功能，但卻在氣質呈現上有著截然不同的效果。同樣從傳統中式服裝里獲得靈感的還有魚尾裙，它在最初的呈現上以頗具東方精神的紅色呈現，凸顯現代東方女性的明媚張揚同時，又將屬于傳統東方女性的婉約和內斂融入其中。

SAMUEL GUì YANG 2025 春夏系列

除了這種“東風西漸式”的創作模式，你同樣也可以在楊桂東和Erik Litzén的時裝創作中感受到一種跨文化所帶來的融合美學—張揚的性情和婉約的著裝是可以并存在同一個造型之中的；東方的簡約審美和西方的戲劇性表達可以由同一個廓形來講述；現代化的時裝單品同樣可以包含古典的創作哲思。

SAMUEL GUì YANG 2026 春夏系列

在剛剛結束的上海時裝周期間， SAMUEL GUì YANG 舉辦了2026春夏系列暨品牌十周年大秀，主題為“Inner Tide朔望潮”。整個系列除了春夏新裝，還包含了十年膠囊限定系列和往季檔案款式。這一構成正如潮汐更迭般，在回溯與前行中不斷演進。

或許，對于楊桂東來說， SAMUEL GUì YANG 更像是一個時裝文化的溝通橋梁，“新”的背后是一種讓文化保持活力和不斷革新的決心。東方不是一種符號，而是一種帶有情感溫度，會不斷生長的記憶體。

Q&A

還記得做自己第一個系列的感受嗎？現在回過頭來看，你會如何評價當時的這個系列？

不止是第一個系列，剛起步時的幾個系列對我來說都有很深刻的意義。這次十周年大秀，我們也特意選擇了不同時期的代表單品來重新演繹，比如紅色魚尾裙，以及第一版的小李夾克（Lee Jacket）。直到現在，我仍覺得它們很有代表性，也并不覺得它們是“過去式”。

SAMUEL GUì YANG在這10年里遇到過最大的挑戰是什么？

最大的挑戰肯定是疫情的影響。那是一個充滿不確定性的時期，需要重新找到平衡與工作的節奏。與此同時，我們的團隊橫跨兩個城市與雙語環境，還需要克服時差與語言上的障礙。不過，這樣的挑戰反而讓我們的凝聚力和核心更強大。

你會如何總結你自己和SAMUEL GUì YANG的這10年？

SAMUEL GUì YANG是一個有情感的品牌。不管是對我自己，還是對品牌，這十年都讓我們變得更強大。此刻仍能持續創作并推動品牌發展，對我來說是一個很欣慰也值得慶祝的節點。

東方文化的表達一直都是SAMUEL GUì YANG一個很重要的標識，這種表達在過去的10年是否有發生變化？ 對我們來說，在這10年里，東方的表達早已融入我們的生活方式與創作靈感之中。若說有什么變化，那或許是在于我們不斷嘗試以更深入的方式去理解與剖析文化的內在層面。

你如何看待“新中式”這個現象？相比10年前，現在的消費者對于中式元素的接受度有變高嗎？

相比10年前，如今的消費者對自身文化表達的認同與歸屬感確實更為強烈。他們更傾向于以這種意識為出發點，去選擇和自己契合的元素—無論是中式的，還是多元融合的。這種變化，也讓“新中式”不再只是一個風格標簽，而成為一種更開放、更自信的文化態度。

你覺得國外的消費者和媒體對于中式服裝的接納度有變高嗎？

在我們接觸的群體中，對多元文化交流感興趣的人越來越多，這也帶動了他們對我們設計的關注。尤其是倫敦這樣多元的城市，更親密且可轉換的文化交流讓設計語言有了新的生命與傳播力。

如果要給10年前的自己提供一個建議，你會說什么？

保持內心的平衡，只有這樣才能真正創作。

你覺得10年后的SAMUEL GUì YANG會是什么樣？

我希望我們仍能保持創作的初心，成為連結東西方文化的更堅實橋梁，并在更全球化的語境中成長。

雷留樹、蔣雨彤

SHUSHU/TONG

很少有設計師品牌會像SHUSHU/TONG一樣，在品牌成立初期便找到了未來想要創作和發展的方向，并從此堅定向前、不斷蛻變。在過去的10年里，設計師雷留樹和蔣雨彤見證了自己少女化的時裝表達逐漸走向大眾，并最終形成為一種文化現象，也見證了SHUSHU/TONG從一個稚嫩的設計師品牌逐漸走向成熟多元。SHUSHU/TONG的10年是不斷向前、不斷成長的。

10年前，即將從學校畢業的雷留樹（Shu Shu）與蔣雨彤（TongTong）早早地準備起了商業計劃書，在畢業后迅速回到熟悉的上海，創立了 SHUSHU/TONG 這個品牌。

ShuShu和TongTong在創作過程中將自己接受到的國際化時裝教育轉化為了一種適用于中國本土的設計語言，并通過不斷打磨，又將這種本土敘事轉變為適用于國際市場的創作語言—這也正是與他們同期從海外院校畢業回到國內創立品牌的時裝設計師們的共同特征。

SHUSHU/TONG 2026 春夏系列

在10年的發展中， SHUSHU/TONG 不僅樹立起了屬于自己的設計風格，收獲了忠實的品牌擁躉。此外，他們也進駐了國內外的許多商場與買手店，開設了自己的獨立線下門店，同樣也收獲了大量的媒體關注，并吸引許多明星名人自發支持。但比起許多時裝設計師創業之初在風格探索上的不斷嘗試，ShuShu和TongTong兩人似乎在品牌創立伊始便已經明確了今后的發展方向—或者用兩人的話來說， SHUSHU/TONG 這個品牌從一開始就是兩人個人喜好的一個縮影。

我們可以以他們發布的首個系列為例，如果將其與現在的 SHUSHU/TONG 相比，那么2015年的 SHUSHU/TONG 無論是在面料的多元性，還是設計的精細程度上都是有待提升的。但就設計元素來看，2015年的 SHUSHU/TONG 已經確立了自己時裝語言里的部分關鍵詞匯，包括蝴蝶結、格紋和制服的廓形。

不同于許多時裝設計師會選擇在特定的時間節點，用情結來銜接新與舊，對自己的過往進行一個梳理和總結，ShuShu和TongTong屬于一直堅定向前的創作者，你幾乎不會在他們的秀場上找到重復性的敘事， SHUSHU/TONG 所勾勒的女性形象始終在不斷成長。

SHUSHU/TONG 2026 春夏系列

于是我們可以看到， SHUSHU/TONG 手下的少女從一個面相稚嫩、身穿學生制服的形象，慢慢開始出現內心沖突與矛盾的一面，嘗試著擁抱古典與當代、浪漫與直率。隨后，她從學生氣的少女氛圍中走出，開始積極探索自己與不同風格之間的關系，不管是網球運動，還是迷你裙風潮，都成為了她衣櫥的一部分。10年之后，在2026春夏秀場上，她開始思考更多的表達可能，不再將自己局限在“少女”的框架之下，她變得更張揚、更復雜、更性感、更多元，在混亂世界中展現出女性的力量與柔軟—但是，你依舊能夠在她的身上捕捉到那個最初的少女形象。

正如ShuShu所說，他們并沒有在品牌這件事情上想得太過長遠，或過度沉湎于過去， SHUSHU/TONG 更專注于當下手中的設計如何以一種漂亮的方式完成。在這種不斷調整和不斷前進的過程中，無需過多為十周年感慨，他們所創造的當下，便已經包含了一切屬于過往的敘事。

少女在不斷成長， SHUSHU/TONG 亦是。

Q&A

還記得做自己第一個系列的感受嗎？現在回過頭來看，你會如何評價當時的這個系列？

ShuShu：我們在上海發布的第一個系列是2016春夏系列，當時還很青澀，懵懵懂懂地用幾種簡單的面料就完成了整個系列。但是我們的品牌基調也從第一個系列延續至今，包括標志性的蝴蝶結、格紋，以及制服的設計細節。

TongTong：我們第一個系列就收到了連卡佛和Dover Street Market的訂單，是遠超我們預期的成果。感覺真的很幸運，也很興奮，因為努力的成果得到了認可。

你們覺得現在國內的時裝設計環境和10年前比發生了什么樣的變化？

TongTong：變化非常的大，最明顯的就是Showroom的數量越來越多。我覺得Showroom是時裝行業中非常重要的一環，中國的Showroom也是在十年前才開始逐漸出現的。它能讓新設計師快速地找到銷售渠道，支撐一季又一季的系列開發，也讓買手店們能快速發掘適合自己客群的品牌。

ShuShu：從設計層面來說也非常不一樣，設計師們對于屬于自己的設計語言更有信心了，也更愿意圍繞自己的品牌核心去開發真正具有獨特性的作品。

SHUSHU/TONG在這10年里遇到過最大的挑戰是什么？

TongTong：成長本身就是一種挑戰。如何在快速變化的行業中保持真誠，同時又能不斷進化，是我們一直在面對的課題。

“ 少女”一直都是SHUSHU/TONG時裝創作的一個核心形象，在這10年里這個少女形象發生了什么樣的變化？

ShuShu：變得越來越多元、豐富和復雜。和早期創作相比，我們越來越有欲望去探索那種難以一言以蔽之的真切的女性敘事。

如何總結SHUSHU/TONG和自己的這10年？

TongTong：這10年是一個從“自我表達”到“與世界對話”的過程。

ShuShu：我們從一個做夢的女孩，慢慢成為可以讓別人也做夢的品牌。

如果要給10年前的自己提供一個建議，你們會說什么？

ShuShu：不要太焦慮，一切會在合適的時間發生。

TongTong：放輕松，按現在的節奏來就好。

你們覺得10年后的SHUSHU/TONG會是什么樣的？

ShuShu：希望我們仍然在做我們喜歡的設計，仍然對世界保持好奇。

TongTong：希望SHUSHU/TONG女孩依然存在—無論她幾歲，她依然浪漫、有趣、反叛。

Une Yea

STAFFONLY

從好奇心和幽默感開始，Une、師墨和Cory三人將STAFFONLY的時裝創作轉變為了他們奇思妙想的試驗場。在過去的10年里，他們天馬行空但又傾注了社會觀察的時裝設計讓大眾與之產生共鳴。在Staffonly的世界中，一切都有可能發生，而一切出乎意料的設計，都會轉化為一種合理的表達。

正如三人共同總結的那樣，STAFFONLY的10年，是“磕磕絆絆，但絕對不會無聊”的10年。

如果要列舉過去10年里最具創意的中國設計師品牌，那么無論以何種標準來看， STAFFONLY 都會入選其中。

由Une Yea與師墨和Cory三人在2015年創立， STAFFONLY 正如其名字所暗示的一樣，從一個最基礎的“制服”概念開始不斷向外擴展。在過去的10年里，品牌圍繞著社會身份展開了積極的探索，并用一種極其嚴密的創意邏輯，將深刻的思考轉化為一種可被大眾所理解的戲劇化場景呈現。

STAFFONLY 2021秋冬系列

譬如她們會將“家庭煮夫”的身份，以一種舞臺劇的形式呈現在一場時裝展示中；也會將習武之人的精神與日本熱血動漫中的妝造結合；會將金融人士的形象與騎牛士的形象相結合，在高空寫字樓的秀場里用一場極具儀式感的表演來展現兩者相通的肅殺形象；會將“虛榮”這一無法直接捕捉的概念轉化為一場關于數字藏品的拍賣會，用人們的爭相競價來傳遞對“自戀”的隱喻。

她們會將“游牧辦公”的生活方式落腳于一張巨大的床上，在一種介于正式和居家的服裝呈現中展現著生活邊界的愈發模糊；還會將“片場置景”中可能存在的失誤與意外，轉化為一種“信號錯誤”，用一種游走在真實與抽象之間的造型方式來重塑對“草臺班子”的定義。

不難發現，在這10年里， STAFFONLY 的創作隨著制服概念和社會身份定義的變化也發生了相應的變化，但“概念先行”依舊是不變的核心。這種“概念先行”不僅體現在她們每一季社會洞察與幽默感并存的主題之上，同樣也體現在她們與不同創意伙伴的積極合作之中。

STAFFONLY 的每一場時裝秀不僅有特意編排的表演情景，而且也有與概念相匹配的背景音樂對概念進行“補充說明”。那些充滿故障音效的電子旋律，秀場上失真的舞臺造型，加上模特們突然“故障”的走秀方式，這一切都保持著概念上的高度一致性。

STAFFONLY 2025春夏系列

在與其他品牌進行聯名合作時，她們也絕非簡單地將彼此的符號進行拼貼，而是從概念入手，積極思考如何在保留雙方特色的同時，將概念進行凸顯。譬如與手袋品牌Pabe Pabe的合作， STAFFONLY 就將后者頗受歡迎的電工包轉化為充滿幽默感的百寶箱。

甚至是當你瀏覽 STAFFONLY 的社交媒體時，同樣能感受到那種“創意社群”的氛圍—她們并不僅僅關注品牌本身的內容，同樣也會從設計概念出發，拓展出與不同領域創意人士的對話。相比起一個單一的設計師品牌， STAFFONLY 更像是一個時刻充滿著奇思妙想的創意集合。

正如Une在采訪中說的， STAFFONLY 的理想“不是一次華麗的發布，而是一個能持續發聲的社群。希望更多創作者、合作伙伴和消費者，都能成為‘ STAFFONLY 的共作者’。”在經歷了“磕磕絆絆，但絕對不會無聊”的10年之后， STAFFONLY 正在往更具創意，也更加開放的方向上前行，繼續以好奇為指引，給觀眾們呈現出一個又一個充滿奇思妙想的世界。

Q&A

你會如何總結STAFFONLY這10年？

我覺得這10年是“磕磕絆絆，但絕對不會無聊”的10年。我們一路在嘗試，在撞墻，在不斷調整節奏，每一季都有它獨立的性格和完成感。STAFFONLY的10年不是一條筆直的成長線，而是一連串實驗與修正的集合。就像建筑一樣，我們一直在加層、拆墻、重新布線—但結構始終沒變，那是我們最早的信念：保持好奇、保持行動。

“ 制服”是STAFFONLY創作的一個核心元素，10年后，你對“制服”的理解有什么變化？

這10年來，“制服”始終是我們討論社會分工與身份建構的入口。早期我們創造了“金融騎牛士”“屠夫”“家庭煮夫”“片場置景”等角色，用這些職業隱喻去表達社會秩序與個體差異。那時候的制服帶著理想主義的色彩，它是一種社會隱喻，也是一種身份的浪漫。

但如今我們發現，職業邊界越來越模糊，角色感也在塌縮。每個人都在多個身份之間切換，而“職業”本身已不再是穩定的。因此，我們開始思考如何讓“制服”重新被定義—不再是權力的象征，而是一個可被協商的符號。我們更需要重建服裝與職業感之間的鏈接體系，讓它重新成為被理解的符號和被使用的結構。

STAFFONLY的創意呈現，從10年前到現在有什么變化？

10年前，我們更多關注“如何讓作品被看到”。但現在，我們更想建立一個可持續的創作系統。我們的理想不是一次華麗的發布，而是一個能持續發聲的社群。希望更多創作者、合作伙伴、消費者都能成為“STAFFONLY 的共作者”。我們不再只是“展示”一個時裝系列，而是通過時裝系列搭建一種持續生長的敘事系統。

如果能對10年前的自己說句話，你會說什么？

“ 別害怕，邁出去。”年輕的時候，總想把一切都想明白才開始，但其實很多答案只有在行動里才能找到。無論是創作、經營，還是合作，人最怕的不是錯誤，而是猶豫。

你覺得10年后的STAFFONLY會是什么樣？

我希望10年后的STAFFONLY不僅僅是一個品牌，更是一套完整的文化生態系統。它可能包含出版、展覽、社群甚至教育計劃。如果有一天我們能把“服裝”變成一種媒介，讓人們借此看見自己，那應該就是我們最理想的狀態。

陳序之

XU ZHI

以追求現代審美和手工藝為品牌敘事基調的XU ZHI，在過去的10年里不斷地調整著工藝、時裝與現代生活之間的關系。設計師陳序之起初以一種細膩的敘事手法將工藝應用在現代時裝設計上，而后在不斷的實踐和嘗試中，又將這種獨特質感的工藝逐漸轉變為了日常生活的注解，并打磨出了更為成熟的設計語言。這種浪漫與理性的平衡，旨在營造更廣泛的美學體驗。

當流蘇在風中輕輕搖曳，10年光陰已悄然流逝。屬于陳序之的10年，是尋找到日常與藝術平衡之道的10年。

相比起特定的時裝風格、工藝，這個更像是某種“方法論”的時裝創作環節，很難以一種直觀的方式呈現給觀眾以及消費者。

無論是對于國際大牌還是獨立設計師品牌來說，如何將工藝以一種大眾都能理解的方式呈現，是一個值得探討的功課——畢竟如果我們從消費者的角度來看，復雜工藝的使用往往伴隨著更高的價格和更為藝術性的設計表達，要想讓大眾以一種舒適的心態接納它的出現，自然是需要花費很大的功夫。

10年前，陳序之成立了自己的時裝品牌 XU ZHI ，他以工藝為時裝敘事的核心，將復雜的技法轉化為摩登的設計語言——這在彼時的中國時裝設計領域仍屬于少見，大部分以工藝為主打的設計師品牌往往會選擇用華麗或古典的風格，讓這些他們引以為傲的技法得到最為全面的呈現。

XU ZHI 2025春夏系列

但陳序之從一開始就沒有遵循這種傳統的創作思路，回看他發布的首個時裝系列，你便會發現如今我們所熟悉的許多創作語言在彼時已經有了雛形——那些品牌標志性的編繩流蘇工藝被應用在了裙裝、上衣和外套之中。相對于工藝上的復雜，陳序之在時裝廓形上的選擇則相當的簡潔，這些看似基礎的時裝款式反倒為“工藝”留有了足夠的表達空間。

“在創作2016春夏系列的那一年里，我就一直在研究編繩流蘇工藝，并以此創作和開發面料，整個過程的感受非常平和。那種安靜的力量，我現在回過頭去感受也記憶猶新。”陳序之如此評價自己的首個系列，也正是因為這種力量，讓 XU ZHI 2016春夏系列一經發布就收獲了頗多關注。陳序之也在2016年被 Fashion Asia Hong Kong 評為“亞洲十大焦點設計師”之一，2017年又被《福布斯》雜志評為亞洲區“30歲以下值得關注青年才俊三十人（30 Under 30）”之一。

XU ZHI 2026春夏系列

雖然陳序之在設計中努力讓每一件單品都有屬于當下生活的應用場景，但他清醒地意識到自己的工藝并非屬于日常，他需要不斷調整和重新創作來讓工藝更好地服務于日常生活。于是在過往的10年里，他不斷創作，讓工藝不再只是時裝畫布上的色彩紋理，更是一件服裝表達上的必要組成部分。

他開始嘗試將工藝與漆皮、牛仔等更適合生活場景的面料進行并置呈現，也開始讓時裝的廓形變得更為多元。譬如我們可以在 XU ZHI 2018春夏系列里看到他對于工藝和材質碰撞的嘗試，也可以在2018秋冬系列中感受到他讓時裝有了更藝術化的呈現。在2019秋冬系列中，他又將設計從女裝拓展至了男裝領域，并用更鋒利的時裝語言來賦予工藝別樣的氣質。隨后的2020春夏系列，他開始進入了一種更浪漫、更都市的創作情緒之中，一連幾個系列都賦予了工藝更輕盈的質感。

Q&A

還記得10年前創立XU ZHI的故事嗎？

10年前我從中央圣馬丁畢業，很自然地想做一個屬于自己的品牌。當時認識了Tube Showroom的Zemira，她帶著我進入了上海時裝周，認識了非常多的媒體和買手，于是XU ZHI自然而然就誕生了。當時我也覺得時裝是我一生的熱愛，不會有別的更加想要做的事情。

你覺得現在國內的時裝設計環境和10年前比發生了什么樣的變化？

飛速的成長，很多新的趨勢比如直播，甚至領先于全球市場。消費者直接參與并改變時裝行業創意的走向越來越明顯。

工藝一直以來都是XU ZHI品牌的一個重要組成部分，在這10年里，你覺得工藝與服裝設計之間的關系有發生什么樣的變化嗎？

有非常大的變化。我們的工藝并非適用于日常，所以對于如何把工藝轉變到日常的時裝之上，我們有過非常多的嘗試，每一次嘗試都會產生新的變化，而新的變化也會伴隨著新的挑戰。

你的個人生活狀態會怎樣影響XU ZHI的創作？

我之前是倫敦和上海兩邊跑，加上參加國外的時裝周，整個人狀態都很緊繃。2020年之后我就一直居住在上海，回國后有了非常強烈的安定感，整個人不那么的焦慮，做出來的衣服也更加踏實，更加松弛。

你是否已經找到了一個商業和創意之間的合適平衡點？

永遠在尋找。這個問題很像是在問如何用創意得到商業回報，我覺得二者是流動的，一個作品做完，一件衣服賣完，時間就來到了明天，一切要重新開始。

如果要給10年前的自己提供一個建議，你會說什么？

不要太著急，不要太焦慮。

你覺得10年后的XU ZHI會是什么樣？

期望能有更成熟的面貌、更好的作品、更好的產品。